MATS GUSTAFSSON

Родился 29 октября 1964 в Умеа, северная Швеция. Саксофонист, импровизатор и композитор.

Шведский авангардный саксофонист Матс Густафссон известен исполнительством на контрабас-саксофоне, пристрастным отношением к представителям гаражного рока и изобретением музыкального гибрида – флейтофона. По слухам, уроженец шведского захолустья впервые услышал джаз в 15 лет. Спустя примерно столько же лет, будучи ещё молодым исполнителем, он уже играл с такими знаменитостями, как Брётцманн, Дерек Бэйли, Барри Гай.

Учился играть на флейте, клавишных инструментах, пытался играть джаз рок и панк в начале 80-х в Умеа. Начал играть импровизированную музыку с барабанщиком Kjell Nordeson в 1982, вместе с которым он организовал AALY Trio в 1986. С 1984 начал сотрудничать с художником Edward G. Jarvis.

В 1985 переехал в Стокгольм, где начал работать вместе с Dror Feiler, Jörgen Adolfsson, Christian Munthe и Sten Sandell &Raymond Strid, с которыми создали GUSH в 1988.

 С 1990 и до сих пор играет вместе с немецким барабанщиком Paul Lovens дуэтом, в составе трио, квартетов, и больших ансамблей.

С конца 80-х начинает принимать участие в международных проектах с Derek Bailey (1988-), Sven –Åke Johansson (1989-) Per Henrik Wallin (1990-) Günter Christmann (1991-) Jim O ‘Rourke (1990-)

Впервые поехал в США в 1988, где познакомился Ken Vandermark, Hamid Drake, David Grubbs, Michael Zerang, Fred Lonberg Holm. Участник Peter Brötzmann Tentet с 1997.

Участник Barry Guy New Orchestra с начала его основания в 2000.

В 1999 основал The Thing с норвежцами Paal Nilssen-Love и Ingebrigt Håker Flaten.

О The Thing стоит рассказать особо.

В главном проекте шведа The Thing (название одной из вещей легендарного джазового трубача Дона Черри, композиции которого также присутствуют в репертуаре скандинавского трио и с которыми иногда выступает приемная дочь Дона Черри Нене) ему содействуют басист Ингебригт Флатен и ударник Паал Нильсен-Лав. Последним приписывают знаковую жёсткость и даже называют самой тяжелой ритм-секцией Норвегии.

Трио The Thing в составе шведского саксофониста по имени Матс Густафсон (Mats Gustafson), и двух норвежцев, контрабасиста Ингебрита Флатена (Ingebrigt Haker Flaten) и барабанщика-перскуссиониста Пала Нильсен-Лава (Paal Nilssen-Love) - едва ли не самое интересное, что можно найти в современном фри-джазе.

Из такого, казалось бы, консервативного инструментального состава, они ухитряются выжать столько агрессии и напора, сколько удается едва ли многим металлистам - за это их нередко называют "пауэр джазом" (по аналогии с "пауэр-трио" - гитара, бас, барабаны).

The Thing интересны еще и тем, что находятся как бы на стыке сразу нескольких жанров - они запросто могут сыграть на одном концерте вещи из репертуара джаз-фрика Орнетта Колмана, посетить семейный гараж White Stripes и ухлопаться в ладоши заодно с Yeah Yeah Yeahs, выйти на сцену джаз-фестиваля, расширив состав гитаристом (причем не каким-нибудь, а самим Тарстоном Муром (Thusston Moore) и сорвать овации у любителей умной электроники на совместном концерте с Prefuse 73 и Fout Tet.

В составе The Thing часто выступает вместе с Joe McPhee, Ken Vandermark, Thurston Moore, Zu, OtomoYoshihide, Jim O` Rourke, Peter Brötzmann, Terrie Hassels, Jim Baker, Goran Kajfes, Mats Äleklint, Peter Evans, Neneh Cherry и норвежской группой Cato Salsa Experience.

Выступает с сольными программами и принимает участие в международных турах и проектах с  Sonic Youth, Merzbow, Jim O´Rourke, Barry Guy, OtomoYoshihide, Yoshimi, KenVandermark, сотрудничает с группами The Thing, FIRE!, Gush,  Boots Brown, Swedish Azz и Fake.Работает в составе таких крупных коллективов, как Barry Guy New Orchestra, FIRE! Orchestra and the NU – ensemble.

Дал более 1800 концертов и сделал более 200 студийных записей в Европе, Австралии, Африке, Северной и Южной Америке и Азии. Принял участие в фестивалях, выступил в клубах, перфомансах, музеях, театрах Швеции, Норвегии, Финляндии, Дании, Эстонии, Литве, России, Польше, Беларуси, Германии, Украине, Бельгии, Голландии, Франции, Англии, Шотландии, Ирландии, Австрии, Швейцарии, Испании, Португалии, Италии, Монако, Словении, Турции, Венгрии, Словакии, Хорватии, Македонии, Сербии, Индии, Китае, Японии, Корее, Тасмании, Австралии, Новой Зеландии, США, Бразилии, Канаде и Эфиопии

Курировал фестивали:Sounds 89 & 99, Solo -92, Dygn (-95), Open Music – Kultur Bro 2000, 2002,Wels /unlimited music 2003, Perspectives 2004, Perspectives 2007, Perspectives 2009, Nickelsdorf Konfrontationen 2010…

 Сотрудничает с современными танцевальными направлениями, театрами, представителями  живописи и литературы, также с различными проектами в нойз, электронной музыке, современном роке и фри джазе.

Награжден в 2004 шведской королевской консерваторией как лучший джазовый исполнитель;

Признан лучшим джазменом Швеции в 2000 и 2008.

Поучил премию Expressen´s Spelmannenв 2004.

Почетный гость джазового фестиваля в Умеа с 2008;

Музыкальная Премия Nordic Councilв 2011

Дискоголик, коллекционирует виниловые пластинки, особенно фри джаз, скандинавский джаз, экспериментальная музыка.

Живет в Никеслдорфе, Австрия и Умеа, Швеция.

Фред Фрит

Нью-Йорк. Это город, в котором жизнь не прекращается ни на минуту; бурлящее место, давшее искусству множество новых идей и тенденций. Город, который заставляет бредить... Не многим удается покорить его. Фред Фрит - человек, сумевший влюбить в себя Нью-Йорк. Неординарный музыкант и композитор, радикально перевернувший все устоявшиеся представления о современной джазовой и околоджазовой сцене, с группой соратников вообразивший и воплотивший в реальность новый жизнеспособный гибрид импровизационного джаза и электронного авангарда.
Фред Фрит родился в 1946 году 17 февраля  в северном Лондоне, в семье владельца галереи и художницы. С юных лет он пел в церковном хоре и играл на скрипке, на смену которой только с возрастом пришла гитара. В 1968 году, во время учебы в арт-колледже Фред познакомился с Тимом Ходжкинсоном - музыкантом-самоучкой. Вскоре их дружба переросла в нечто большее, чему впоследствии было присвоено имя - "Henry Cow". Эта легендарная британская андеграунд-группа в своей музыке соединила, кажется, все существовавшие на тот момент в музыке стили рока, блюза, джаза и фолка. "Henry Cow" просуществовала 10 лет, наиболее "прославившись" в СССР не самой музыкой, а околомузыкальным скандалом: якобы одно время из-за про-левых высказываний членов группы ее композиции не допускались к британскому радиоэфиру (группа к тому же активно использовала в своем имидже советскую символику). Самое интересное в этом факте то, что в Советском Союзе они почему-то считались антикоммунистами!
"Henry Cow" стала стартовой площадкой для Фреда Фрита-музыканта. Благодаря группе он был принят в узкий круг авангардистов Лондона, а главное, за время работы в группе у музыканта открылся талант незаурядного импровизатора.

 После разрыва с Тимом Ходжкинсоном Фрит бросает все и в 1979 году покидает Европу. Его путь был определен: Нью-Йорк.
Фред быстро влился в музыкальную жизнь мегаполиса. Он сразу же стал участником множества проектов. Благодаря активной концертной деятельности группы, Фред Фрит получил возможность познакомиться с музыкантами-единомышленниками, с которыми ему суждено было играть в своих последующих проектах. В начале 70-х он уже знаком с Джоном Зорном и Крисом Катлером, с которыми будет творить свою музыку на протяжении более чем 25- лет...

В начале 80-х судьба сводит его с легендарным басистом и продюсером Биллом Ласвеллом , который, по мнению самого Фрита, оказал на него колоссальное влияние и дал путевку в жизнь. Первым результатом их сотрудничества явилось трио "Massacre" (Фрит - Ласвелл - Мейер), ставшее одним из зачинателей того, что сейчас гордо именуется андеграунд-джазом.

Параллельно с работой в "Massacre" Фред Фрит - активный участник множества импровизационных проектов, таких как "Improvised Music New-York-81, 82, 83" на "Celluloid", с Дереком Бейли,Сонни Шерроком,Джоном Зорном и Ласвеллом.Данная композиция с альбома Improvised Music New York 1981

эпохальная работа с Биллом Ласвеллом в "Baselines"

 и серия релизов под кодовым названием "Material" (1981, 82, 91, 94 годы).

За годы жизни в "городе желтого дьявола" Фрит выступил с огромным числом известных музыкантов, одно знакомство с которыми способно радикально повлиять на мировоззрение и ощущение мира музыки: Фаро Сандерс, Икуэ Мори , Том Кора, Брайан Ино. Фрит многому у них научился. Уже в 1982 году вместе с Томом Кора и Зиной Паркинс он организует легендарное трио "Skeleton Crew", просуществовавшее до 1986 года.

Небольшая передышка, домашнее затворничество, сменяемое гастрольными сборными турами, и... В 1989 году в музыкальной сфере выстреливают два сумасшедших авангардных проекта, в очередной раз покушающихся на "устои": рекордсмен продуктивности и скорости записи альбомов (семь дисков за 5 лет) проект "Naked City", имена участников которого на афишах становились причинами обмороков. Еще бы! Джон Зорн, Фред Фрит, Билл Фризелл, Уэйн Хорвиц, Джои Бэрон, Ямацука Ай. Второй удар по умам - группа "Keep The Dog" (Фред Фрит, Рене Лусье, Зина Паркинс, Кевин Нортон, Боб Остертаг, Жан Дером), настолько активно пропагандировавшая авангард с концертных площадок всего мира, что даже какими-то судьбами умудрилась дать концерт в Советском Союзе.

Джон Зорн - новоджазовый композитор и один из основателей культового лейбла "Tzadik", приглашает Фреда Фрита и Даймонда Гейласаса поучаствовать в проекте "The Big Coundown", который и приносит музыкантам мировую известность. Именно за этот проект Фрит был удостоен "Knitting Factory Prize" как лучший джазовый гитарист года.

 Но на этом сотворчество с Зорном не ограничилось. Как мы уже знаем, Фрит около десяти лет играл на бас-гитаре в проекте Зорна "Naked City". Что касается сольных проектов Фрита, то их куда меньше, ибо он всегда подходит к написанию музыки очень серьезно. И если всевозможные коллаборации Фрита с другими музыкантами вряд ли можно подсчитать, то из его сольников можно составить полную и достаточно весомую дискографию, насчитывающую более 15 релизов. В 1981 году вышел сольный альбом Фрита "Spechless", заставивший заговорить о нем как о серьезном и самобытном джазовом композиторе.

 Затем увидел свет самый романтичный из его альбомов "The Technology Of Tears", показавший авангард в совершенно иной ипостаси. Этот проект навеян загадочностью модерн-арт-импрессионистской литературы, в особенности прозой Эдуардо Галеано и картинами французской художницы Беатрис Д'Элизе.

С конца 80-х Фрит начинает все больше и больше уделять внимания музыке для театров и кино. Он всегда был неравнодушен к искусству, и это новое увлечение засасывает его все сильнее. Наиболее ярко это проявилось в альбоме "Allies" (1996), который был написан как музыкальное сопровождение к одноименному балетному перфомансу, поставленному известными балетмейстерами Миллером и Уолднером для бруклинской Академии музыки.

За "Allies" Фрит получил приз от "N.Y. Center Of Modern Art" как лучший композитор для театра и балета. Это был первый релиз, в котором музыкант стал использовать в широком объеме электронные инструменты. Все барабанные партии были программированы, и композиции были насыщены необычными сэмплерными звуками. Эксперименты Фрита с электроникой вылились в отдельный проект "Death Ambient".

 Что касается музыки к фильмам, то самым известным из саундтреков является его сопровождение к наполовину документальному кино "Step Across The Border", в основу которого были положены фрагменты из творческой жизни самого Фрита и окружающих его музыкантов.
Говоря о Фрите, нельзя не упомянуть о музыке, написанной им для других исполнителей и коллективов. Как композитор он неоднократно работал с "ROVA Sax Quartet", "Ensemble Moderne" и др. В 1990 году он основал проект под довольно "нескромным" названием - "Fred Frith Guitar Quartet" - для столь же "нескромных" целей: исполнять авторские произведения. Задуманная как компания для гастролей и туров, группа записала в конце 1998 года свой уже третий диск "Upbeat".

И в завершение хотелось бы сказать пару слов о Фрите как талантливом импровизаторе, игравшем со множеством музыкантов различных стилистических направлений: саксофонистом Лолом Коксхиллом, барабанщиком Крисом Катлером, гитаристами Рене Лусье и Генри Кайзером и многими другими.

Апогеем его карьеры импровизатора стал альбом "Funny Valentine" - результат двухдневной "закупорки" в студии вместе с "гуру" Биллом Ласвеллом и барабанщиком Чарльзом Хейуордом в середине 1998 года.

И последнее. Сегодня Фрит, в очередной раз сменивший прописку, проживает в Германии, так как женат на известной немецкой фотохудожнице Хайке Лисс. Несмотря на большое количество музыки представленной здесь,это лишь малая часть из творчества музыканта и композитора Фреда Фрита...

  Eric Dolphy (20.06.1928 - 29.06.1964)

Чарльз Мингус :
" Долфи освоил джаз. И он освоил все инструменты и знал о них больше, чем это было возможно. "

  Американский джазовый альт-саксофонист, флейтист и бас-кларнетист. От случая к случаю он также играл на кларнете, пикколо и баритон-саксофоне. Долфи был одним из нескольких мульти-инструменталистов, получивших известность в 1960-е годы. Он также был первым знаменитым солистом на бас-кларнете в джазе и одним из первых значительных солистов на флейте. Для импровизационного стиля Эрика Долфи характерно использование широких интервалов, в дополнение к имитации звуков человека и животных, эффекты, которые буквально делали его инструмент говорящим. Хотя стиль Долфи иногда классифицируют как фри-джаз, его композиции и соло часто основываются на обычной (или сильно измененной) тональной гармонии бибопа и мелодических соло, указывающие на влияние современных классических композиторов Белы Бартока и Игоря Стравинского.

 Биография:

  Эрик Аллан Долфи-младший родился 20 июня 1928 года в Лос-Анджелесе, штат Калифорния, США. Его отцом был Эрик Аллан Долфи-старший, а мать - эмигрантка и из Панамы Сэди Долфи. Долфи-младший начал обучение на кларнете в возрасте шести лет, и менее чем через месяц уже играл в школьном оркестре. Он также изучал гобой в младших классах средней школы, хотя он никогда не записывался позже с этим инструментом. Услышав, как играют великие джазмены Фэтс Уоллер, Дюк Эллингтон и Коулмен Хокинс, Эрик полюбил джаз и он стал учиться игре на саксофоне и флейте. Отец построил студию для сына в их дворе, куда к Эрику часто приходили друзья на джем-сешн, записывались с Клиффордом Брауном в этой студии. 
  Эрик Долфи выступал в течение нескольких лет в составе играющих бибоп биг-бэндов во главе с Джеральдом Уилсоном и Роем Портером. Он получил образование в City College Лос-Анджелеса, а также руководил там оркестром. На ранних записях Долфи иногда играл на баритон-саксофон, а также на альт-саксофоне, флейте и кларнете-сопрано. Большой прорыв Долфи, наконец, совершил в составе квинтета Чико Гамильтона. В группе он стал известен более широкой аудитории и смог совершить гастрольный тур в 1959-м, когда он расстался с Гамильтоном и переехал в Нью-Йорк. Долфи снялся с квинтетом Гамильтона в фильме Jazz on a Summer's Day (Джаз в летний день), играя на флейте. 

 Чарльз Мингус знал Эрика Долфи, поскольку тоже вырос в Лос-Анджелесе, и Долфи присоединился к его группе вскоре после прибытия в Нью-Йорк. Он принял участие в записи альбома биг-бэнда Мингуса "Pre-Bird", и представлен на "Bemoanable Lady". Позже он присоединился к рабочей группе Чарльза, которая также включала Дэнни Ричмонда и Теда Кёрсона. Они работали на Showplace в 1960 году и записали классические альбомы "Charles Mingus Presents Charles Mingus" и "Mingus at Antibes".

Чарльз Мингус :
" Долфи был полноценный музыкант, он мог поместиться в любом месте. Он был прекрасным альт-лидером в биг-бэнде. Эрик мог бы сделать это и в классической группе. И, конечно же, он был совершенно своим человеком, когда он солировал... "
  За это время Эрик Долфи также записал сессии с большим ансамблем на лэйбле Candid и принял участие в сессии Newport Rebels. Он оставил группу Мингуса в 1961 году, хотя и продолжал с ним записываться на протяжении всей своей карьеры. Долфи отправился в Европу на несколько месяцев, где записывался в Скандинавии и Берлине. Он принимал участие в весенней сессии группы для альбома "Mingus Mingus Mingus Mingus Mingus" в 1963 году и представлен на "Hora Decubitus". В начале 1964 года Эрик присоединился к рабочей группе Мингуса снова вместе с Яки Байярдом, Джонни Коулзом и Клиффордом Джорданом. Этот секстет по праву считается одной из лучших групп за все времена, они работали на Five Spot , выступали в Корнеллском университете и Town Hall в Нью-Йорке и совершили тур по Европе. Многие записи были сделаны во время тура.

Эрик Долфи и Джон Колтрейн знали друг друга прежде, чем они стали играть вместе, собравшись, когда Колтрейн был в Лос-Анджелесе с Майлзом Дэвисом. Они будут часто обмениваться идеями и учиться друг у друга, и в конце концов, после многих ночей сидения с группой Колтрейна, Долфи было предложено стать полноправным членом. Колтрейна критиковали в квинтете Майлза Дэвиса, когда он начал отходить от присущего хард-бопа. Несмотря на это, квинтеты Колтрейна с Долфи (в том числе сессии Village Vanguard и Africa/Brass) теперь считается легендарным, хотя первоначально журнал Down Beat называл бренд Колтрейна и музыку Долфи "анти-джазом".

 

Колтрейн позже сказал на эту критику:
" Они сделали вид, что мы даже ничего не понимаем в музыке (...) и мне больно видеть как Долфи страдал от этого. "
  Букер Литтл был трубачом, который трагически погиб в возрасте 23 лет от уремии, но у него и Долфи было очень плодотворное, хотя и непродолжительное музыкальное партнерство. Альбом Букера "Out Front" вышел на Candid с участием Долфи, который в основном играл на альт-саксофоне, хотя и исполнял соло на бас-кларнете и флейте. После этого Эрик закончил запись "Free Jazz" с Орнеттом Коулманом и вновь вернулся к Литтлу. "Far Cry" был записан для Prestige с Буккером, включая "Mrs. Parker Of K.C." и "Ode To Charlie Parker" Яки Байярда, а также "Far Cry" и "Miss Ann" Долфи. Эрик Долфи и Букер Литтл также были одними из руководителей квинтета на Five Spot в 1961 г. создав некоторые из самых знаменитых записей джаза. Ритм-секция состояла из Ричарда Дэвиса, Мэла Уолдрона и Эда Блэкуэлла.

Однажды ночью он был задокументирован и выпущен на трёхтомнике "At the Five Spot", а также на сборнике "Here and There". Долфи и Литтл звучат на альбоме "Straight Ahead" Эбби Линкольн, и играли на "Percussion Bitter Sweet" Макса Роуча, а также в секции горнистов в сессии "Africa/Brass" Джона Колтрейна.
  В этот период Долфи также играл в ряде сложных комбо, в частности, в основных записях Орнетта Коулмана (Free Jazz: A Collective Improvisation), аранжировщика Оливера Нельсона ("Screamin' the Blues", The Blues and the Abstract Truth и Straight Ahead) и Джорджа Рассела(Ezz-thetics). Он также работал с Гюнтером Шулером, Максом Роучем, Эбби Линкольн, Мэлом Уолдроном, мульти-инструменталистом Кеном Макинтайром, басистом Роном Картером и другими.
  Делать записи в качестве лидера Эрик Долфи начал на лэйбле Prestige. Его связь с этой студий записи вылилась в 13 альбомов, записанных в период с апреля 1960 по сентябрь 1961 года, хотя Эрик не был лидером всех сессий.
  Первыми двумя альбомами в качестве лидера были Outward Bound и Out There, при участии Ричарда "Пророка" Дженнингса. Первый альбом в стиле, близком к хардбопу, был записан в студии Руди Ван Гелдера в Нью-Джерси с новым трубачом Фредди Хаббардом. В альбоме есть три композиции Долфи: "GW", посвященная Gerwald Wilson, блюз " Les " и "245".

Альбом Out There, на котором Рон Картер играл на виолончели, ближе к "третьему течению" музыки, являющемуся частью наследия Долфи. Композиция Чарльза Мингуса "Затмение" из этого альбома является одним из редких случаев, когда Долфи исполнял соло на кларнете-сопрано.
  

Far Cry был записан для Prestige в 1960 году и представил первую работу в сотрудничестве с трубачом Букером Литлом, единомышленником по духу, с которым он сделает множество легендарных концертных записей на Five Spot в Нью-Йорке. В альбом вошли его композиции "Far Cry" и "Miss Ann».
  

Эрик Долфи записал несколько треков без аккомпанемента на саксофоне, что в то время делали только Коулмен Хокинс и Сонни Роллинс. В альбом Far Cry вошло знаменитое произведение Гросс-Лоуренса, стандарт "Tenderly", исполненный на альт-саксофоне. Последующее турне по Европе быстро установило высокие стандарты для сольного исполнения на бас-кларнете волнующей песни "God Bless The Child" Билли Холидей(«Бог благословит ребенка», ранняя версия этой мелодии была записана на Five Spot во время его проживания с Booker Little). Многочисленные концертные записи были сделаны на выступлениях Долфи в этом туре, в частности, в Копенгагене, Упсале и других городах. Эрик также записал короткое соло "Love Me" на "Conversations".
  Классическая музыка 20-го века также сыграла важную роль в музыкальной карьере Долфи. Он исполнял Density 21.5 Эдгара Вареза для флейты соло на фестивале Ojai Music Festival в 1962-м и принял участие в Третьем течении (Third Stream) Гюнтера Шуллера в 1960-х годах. Примерно в 1962-63 в одну из рабочих групп Долфи входил молодой пианист Херби Хэнкок, которого можно услышать на "The Illinois Concert" и "Gaslight 1962".

В июле 1963-го Эрик Долфи и продюсер Алан Дуглас организовали сессии записей, на которых sidemen для Долфи были одни из ведущих развивающихся музыкантов того времени, в результаты вышли альбомы Iron Man и Conversations. На этих сессиях Долфи играл с Бобби Хатчерсоном, которого знал по Лос-Анджелесу. На этих сессиях записаны самый известные три дуэта Долфи с Ричардом Дэвисом - "Alone Together", "Ode To Charlie Parker" и "Come Sunday". Они также включают исполнение классических композиций «Jitterbug Waltz» Фэтса Уоллера, "Music Matador" Сонни Симмонса, и самого Долфи "Iron Man" и "Mandrake" (или "The Madrig Speaks, The Panther Walks") и "Burning Spear" (или "Half-Note Triplets").
 

 В 1964 году Эрик Долфи подписал контракт с Blue Records и записал Out to Lunch! с Фредди Хаббардом, Бобби Хатчерсоном, Ричардом Дэвисом и Тони Уильямсом. В этом альбоме Долфи показал полностью разработанный авангардный, но очень структурированный композиционный стиль, уходящий корнями в традиционный джаз. Это была его последняя крупная работа для звукозаписывающей студии.

После Out to Lunch! и записи в качестве аккомпаниатора в классической Point of Departure Эндрю Хилла, Долфи оставил тур по Европе с секстетом Чарльза Мингуса в начале 1964 года. Перед концертом в Осло он сообщил Мингусу, что он планирует остаться в Европе после окончания тура. По этому поводу Мингус назвал один из блюзов, который исполняли в туре, "So Long Eric". Долфи намеревался обосноваться в Европе со своей невестой, которая работала в балете в Париже. После ухода от Мингуса Эрик исполнил и записал несколько альбомов с различными европейскими группами, а также с американскими музыкантами, живущими в Париже, например, с Дональдом Бердом и Натаном Дэвисом. Знаменитый Last Date с Мишей Менгельбергом и Хан Беннинком был записан в Hilversum, Голландия, хотя это был на самом деле не последний концерт Долфи.

 Эрик также готовится к вступлению к Альберту Эйлеру для записи, и говорил о своем желании играть с Сесилом Тейлором. Он также планировал сформировать группу с Вуди Шоу и Билли Хиггинсом, и писал музыку для струнного квартета под названием "Love Suite".
  Эрик Долфи умер скоропостижно в Берлине 28 июня 1964 года в возрасте 36 лет, через неделю после дня рождения. Некоторые подробности о его смерти по-прежнему оспаривается, но считается, что он умер от комы, вызванной не выявленным диабетом. В буклете бокс-сета полной коллекции записей для Prestige говорится, что Долфи "рухнул в своем гостиничном номере в Берлине, а когда его привезли в больницу, у него был диагностирована диабетическая кома. После того, как ему ввели инсулин (видимо, более сильного типа, чем распространённый тогда в США), он впал в инсулиновый шок(гипогликемическая кома) и умер".Если это так,то это было убийство в следствии врачебной ошибки… Некоторые документалисты оспаривает это, говоря, что Долфи рухнул на сцену в Берлине и был доставлен в больницу. Лечащие врачи больницы не знали, что у Долфи был диабет, и решил по стереотипному представлению о джазовых музыкантах, что у него передозировка наркотиков. Он оставался в больнице без лекарств, пока не умер.
  Долфи был посмертно введен в Зал славы журнала Down Beat в 1964 году.

 Тед Кёрсон вспоминает :
" Это действительно сломало меня. Когда Эрик заболел [в Берлине], и был черным и джазовым музыкантом, они [врачи] думали, что он наркоман. Эрик не употреблял наркотики. Он был диабетиком и всё, что они должны были сделать - это взять анализ крови, и они бы ни за что не дали ему лекарства для детоксикации, отчего он и умер. И никто никогда не пошел бы в этот клуб в Берлине снова. Это было бы концом этого клуба. "

 Чарльз Мингус сказал :
" Обычно, когда человек умирает, вы помните, или вы говорите, что помните только хорошее о нем. С Эриком, это все, что мог вспомнить. Я не помню никаких наркотиков. Этот человек не имел абсолютно такой необходимости. "

 Колтрейн воздал должное Долфи в интервью :
" Все, что я бы сказал, было бы преуменьшением. Могу только сказать, моя жизнь стала намного лучше, оттого что я знал его, он был одним из величайших людей, которых я когда-либо знал, как человек, друг и музыкант".

         

Отомо Йошихиде (Otomo Yoshihide) - композитор, гитарист, ди-джей и один из величайших лидеров современного музыкального авангарда.

Отомо – настоящий первопроходец на сцене электроакустической импровизации. Он работал над созданием ряда знаковых записей

Гитарист-импровизатор и композитор Отомо Йошихиде родился 1 августа 1959 в Йокогаме, Япония; сын инженера. Будучи ребенком, он сконструировал свой собственный радиоэлектронный генератор, а в подростковые годы начал создавать звуковые коллажи, используя open-reel tape recorders. Это был его первый опыт создания музыки. Вскоре после поступления в среднюю школу он создал группу, которая играла рок и джаз. Это продолжалось до тех пор, пока он не увлекся фри-джазом, слушая Орнета Коулмана (Ornette Coleman), Эрика Долфи (Erick Dolphy), Дерека Бэйли (Derek Bailey) и многих японских фри-джазовых музыкантов. Большое влияние на него оказали саксофонист Каору Эйбе (Kaoru Abe) и гитарист Масаюки Такаянаджи (Masayuki Takayanagi). У последнего Отомо брал уроки.

В 1979 Отомо перебрался в Токио и поступил в университет. Продолжая играть джаз и панк-рок, он принял участие в этномузыкологическом семинаре профессора Акиры Эбато (Akira Ebato) и был очарован этнической музыкой, после чего увлекся исследованием истории этномузыки, в особенности японской популярной музыкой второй мировой войны и историей развития китайских музыкальных инструментов времен Культурной Революции. В 1981-м Отомо начал играть на гитаре в импровизационной манере в первом японском хаус-клубе, 'Jazu Kissa' в Токио (Tokyo), с использованием таких устройств, как драм-машина 'Roland' или простой кассетник. Его принято считать отцом-основателем и пионером хаус-музыки в Азии.

 В 1981 он путешествовал в Хайнань (Китай) с группой во главе с Эбато, чтобы исследовать музыкальную культуру этого региона. После возвращения в Токио Йошихиде начал регулярно выступать с импровизационными сетами в местном клубе Goodman, а в 1987 он появился в дуэте с саксофонистом Юнджи Хиросе (Junji Hirose) и параллельно играл в проектах No Problem и ORT.

Начиная с 1990 года Отомо интенсивно сотрудничал с другими музыкантами, играющими в широком диапазоне стилей. Он присоединился к группе басиста Хидеки Като (Hideki Kato) Player Piano, организовал тур по Японии с Юнджи Хиросе и барабанщиком Дэвидом Моссом (David Moss), а также организовал собственный нойз-рок-проект Ground Zero, 

На протяжении большей части 1990-х его главным проектом оставалась группа 'Ground Zero', созданная в 1990-м. Ее состав менялся неоднократно. Ребята играли музыку в различных стилях, которые, однако, можно охарактеризовать как нойз-рок с экспериментальными эйджами и тяжелым акцентом на разные сэмплы, своего рода музыкальные коллажи. Например, для записи альбома 'Consume Red' (всего с одним одноименным треком) был использован сэмпл корейского музыканта Кима Сеок Чула (Kim Seok Chul), игравшего на двуязычковом инструменте ходжоке (близок по звучанию к гобою).

Этот сэмпл пронизывает всю запись, длящуюся около часа, пока музыканты на его фоне, импровизируя и постепенно наращивая громкость, окончательно не заглушают его.

Группа 'Ground Zero' перестала существовать в 1998-м.

Перед ее распадом Йошихиде сколотил два электронных импровизационных коллектива: 'Filament' вместе с Сашико М (Sachiko M) и 'I. S. O.' с Сашико М и Йошимицу Ичираку (Yoshimitsu Ichiraku). Эти группы отказались от неистовой постмодернистской мешанины в духе 'Ground Zero' и использования сэмплов, применяя синусоидальные волны в музыке и электронные щелчки и шумы.

В конце 1990-х Отомо основал новый ансамбль, 'Ōtomo Yoshihide's New Jazz Ensemble', отдающий предпочтение более традиционному джазу, однако не обошлось без синусоид от Сатико М и шумовых пассажей. Группа выпустила 'Flutter and Dreams' на лейбле 'Tzadik'. В Японии она обзавелась постоянным составом, именуя себя 'Ōtomo Yoshihide's New Jazz Quintet', и выпустила альбомы 'ONJQ LIVE', 'ONJQ+OE' и 'Tails Out' в 2002-2003 гг.

В 2005 оду под названием  otomo yoshihide's new jazz orchestra выпустил альбом out to lunch с музыкой с одноименного альбома Эрика Долфи

Йошихиде также презентовал дуэт-альбомы: 'Moving Parts' вместе с тернтаблистом Кристианом Марклеем (Christian Marclay) в 2000-м и 'Turntables + Computers' с другим японским электронщиком, Нобукацу Такемурой (Nobukazu Takemura) в 2003-м.

Для ознакомления с  Nobukazu Takemura 

Помимо прочего, Отомо играет в квартете 'FEN (Far East Network)' с тремя другими музыкантами из разных частей Азии. Вместе с ним в квартет входят Юн Чи Вай (Yuen Chee Wai) из Сингапура (Singapore), Рю Ханкил (Ryu Hankil) из Южной Кореи (South Korea) и Ян Цзюнь (Yan Jun) из Китая (China). 'FEN' дебютировал на фестивале в Марселе (Marseille) в 2008-м, после чего регулярно выступал во многих странах.

Кроме того, Отомо демонстрировал исключительный талант композитора, делая саундтреки для видео, кино и телевидения. Он также служил музыкальным директором театральной группы Rinkogun с 1992 по 1995, написав музыку для таких работ, как Bird Man, Inu no Seikatsu, Hamlet Symbol и Picnic Conductor. А также время от времени высказывал свои мысли относительно развития музыки, охватывая широкий спектр вопросов - от проблем дистрибуции в музыкальной индустрии до социокультурных моментов, таких тем как sampling и свободная импровизация - в своих статьях и эссе для различных журналов и книг в Японии.

Таков краткий обзор исключительно талантливого композитора и экспериментатора  Отомо Йошихиде. Приятных открытий!

Памяти Полин Оливерос 

 30 мая 1932, Хьюстон — 25 ноября 2016, Нью-Йорк

        

"Through Pauline Oliveros and Deep Listening I now know what harmony is. It's about the pleasure of making music." John Cage

Теплые внимательные глаза Полин Оливерос (Pauline Oliveros), кажется, видели все в мире: в них навсегда поселилось понимание и мудрое всепрощение. Полин употребила свое академическое композиторское образование на то, чтобы последовательно и методично развивать имровизационное направление в современной музыке, и заслуженно считается классиком XX века.

В 1957 году Полин вместе с Терри Райли (Terry Riley) образовали первую группу коллективной импровизации, корни которой лежали в традиции музыкальных медитаций. До этого импровизации всегда считались прерогативой джаза, и в этом качестве привлекали музыкантов преимущественно возможностью продемонстрировать свою блестящую исполнительскую технику.

Училась на музыкальном факультете Хьюстонского и Калифорнийского университетов. С начала 1960-х гг. активная участница экспериментов по расширению возможностей электронной музыки, проходивших в Сан-Францисском центре музыкальных записей (San Francisco Tape Music Center). В1962г. Оливерос стала лауреатом международного конкурса молодых композиторов Gaudeamus (Нидерланды).

Она развивала собственное направление, которое отчасти перекликалось с экспериментами минималистов (Райли, Райха, Гласса) и получило собственное название - «Deep Listening» («Углубленное слушание»). Вся ее работа отличается выраженным вниманием к включению в музыкальный процесс «элементов вслушивания» в исполнение наравне с непосредственным композиторским и исполнительским мастерством.

С конца 1980-х гг. наиболее заметная часть музыкальной активности Оливерос проходит в рамках основанного ею музыкального коллектива «Deep Listening Band», занимающегося музицированием и записью музыки в пространствах с усиленным резонансом (пещерах, гигантских цистернах и  т. п.).

Оливерос окончила музыкальный факультет Ребекки и Джона Мур (The Rebecca and John J. Moores School of Music)Хьюстонского университета и Калифорнийский университет в Сан-Франциско, где одним из её учителей был американский композитор Роберт Эриксон ( Robert Erickson). Полина Оливерос была членом марширующего оркестра Хьюстонского университета, и одним из членов-основателей местного филиала почётной женской студенческой оркестровой общины Tau Beta Sigma.

Оливерос— одна из первых членов Центра Музыкальных Записей Сан-Франциско, который в 60-х годах был важным источником электронной музыки на западном побережье США. Позже Центр был перенесён в колледж Миллз, а Оливерос стала его первым директором. Ныне — Центр Современной Музыки. В своих выступлениях и записях Оливерос много импровизирует с помощью Расширенной Инструментальной Системы (Expanded Instrument System)— разработанной ею электронной звукообрабатывающей системой.

В 1967 году Оливерос покинула Миллз, чтобы занять должность на факультете музыкального отделения в Калифорнийском университете в Сан-Диего. Там Оливерос познакомилась с теоретическим физиком и мастером карате Лестером Ингбером, с которым она сотрудничала в определении процессов, относящихся к вниманию, применительно к слушанию музыки. Также Оливерос занималась карате под руководством Ингбера и получила чёрный пояс. В 1973 году Оливерос руководила исследованиями в новом Центре Музыкального Экспериментирования при университете. Она занимала должность директора центра с 1976 по 1979г. В 1981 году, чтобы избежать сужения круга творческих интересов, она отказалась от постоянной должности в калифорнийском университете и переехала в северную часть Нью-Йорка, чтобы стать независимым композитором, артистом и консультантом.

Оливерос ввела в обиход термин Deep Listening (Глубокое Слушание) в 1991 году, и, по аналогии с этим термином, дала название своей группе— The Deep Listening Band и методике Глубокого Слушания (Deep Listening program), которой обучают в Институте Глубокого Слушания (Deep Listening Institute, Ltd.) (изначально— Фонд Полины Оливерос, основан в 1985г.).В программу курса Глубокого Слушания включены: ежегодные ретриты в Европе и США— в штате Нью-Мексико и в пригороде на севере Нью-Йорка, образовательные и сертификационные программы. Ретриты посвящены раскрытию творческих способностей через активное слушание звуков окружающей среды и медитативной музыки, написанной преподавателями института Глубокого Слушания.

The Deep Listening Band, участниками которой являются Оливерос, Дэвид Гэмпер и Стюарт Демпстер, специализируется на исполнении и записи музыки в пространствах с усиленным резонансом, таких как пещеры, соборы и подземные водохранилища или цистерны. Группа сотрудничала с Элен Фулман (Ellen Fullman)— изобретателем инструмента Длинные струны ( long string instrument), который представляет собой резонатор с перпендикулярно воткнутыми в него струнами, длина которых варьируется от 16 до 60 метров; а также с бесчисленным множеством других музыкантов, танцоров и исполнителей.

Музыковед Хайди фон Гунден описывает новую музыкальную теорию, развитую Оливерос в предисловии к её «Акустическим Медитациям» (Sonic Meditations) и других статьях, называя её «акустической осознанностью». Акустическая осознанность— это способность сознательно концентрировать внимание на музыкальных звуках и звуках окружающей среды, требующая постоянной готовности и склонности к непрерывному слушанию.

Эту теорию можно сравнить с концепцией визуальной осознанности английского художника и писателя Джона Бергера (. John Berger), описанной в его книге «Способы видения» (. Ways of Seeing). «Акустическая осознанность представляет собой синтез психологии сознания, физиологии боевых искусств и социологии феминистического движения». Акустическая осознанность описывает два способа обработки информации: фокусное внимание и всеобъемлющее внимание— им соответствуют графические изображения точки и круга, которые Оливерос в указанном порядке использует при создании своих произведений.

Позже изображение мандалы было преобразовано и расширено: мандала была поделена на четыре части, которые символизировали активное извлечение звука, воображение звука, слушание существующего звука и запоминание услышанного звука. Эта модель использовалась при создании «Акустических медитаций»

Применение этой теории на практике позволяет создавать «сложные акустические массы, имеющие сильный тональный центр»,— фокусное внимание создаёт тональность, а всеобъемлющее внимание создает звуковую массу, меняющийся тембр, атаку, длительность, мощь и иногда высоту тона. На практике эта теория так же порождает нетрадиционные для представлений продолжительность и место, когда для прослушивания необходимо много часов, или оно должно происходить при определённых условиях.

Эта теория пропагандирует идею легко извлекаемых звуков, таких как вокальные, и «говорит, что музыка должна быть доступна всем и везде».

В 1994 году Оливерос получила грант от Фонда Современного Искусства. Преподавала в Политехническом институте Ренсселера и колледже Миллз.

Замечательной особенностью музыки Полин всегда была ее способность быстро и не встречая никаких препятствий проникать прямиком в подкорку. Пропущенный через микшер, звук претерпевает невиданные метаморфозы, оставаясь все таким же кристально чистым, а потом вдруг начинает извиваться, меняться, множиться и растекаться в разные стороны тысячью ртутных стрел. В принципе, если оценивать ее с точки зрения составляющих, музыка Оливерос проста и незамысловата. Технология «углубленного слушания» предполагает, что слушатель проживает каждую звучащую ноту. А композиция течет, как река, как жизнь, - спокойно и неотвратимо приближаясь к тишине.
Композиции Оливерос исполняются во всем мире, и в 1985 году она была удостоена чести представить ретроспективу своих произведений в Центре Исполнительского Искусства им. Кеннеди в Вашингтоне.

Лейбл Important Records в 2012 году издал 12 CD Pauline Oliveros - Reverberations: Tape & Electronic Music 1961 - 1970 Номер по каталогу: IMPREC352   Издание приурочено к 80-летнему юбилею Полин Оливерос

Выступление на  CTM фестивале в 2016 году