Фред Фрит

Нью-Йорк. Это город, в котором жизнь не прекращается ни на минуту; бурлящее место, давшее искусству множество новых идей и тенденций. Город, который заставляет бредить... Не многим удается покорить его. Фред Фрит - человек, сумевший влюбить в себя Нью-Йорк. Неординарный музыкант и композитор, радикально перевернувший все устоявшиеся представления о современной джазовой и околоджазовой сцене, с группой соратников вообразивший и воплотивший в реальность новый жизнеспособный гибрид импровизационного джаза и электронного авангарда.
Фред Фрит родился в 1946 году 17 февраля  в северном Лондоне, в семье владельца галереи и художницы. С юных лет он пел в церковном хоре и играл на скрипке, на смену которой только с возрастом пришла гитара. В 1968 году, во время учебы в арт-колледже Фред познакомился с Тимом Ходжкинсоном - музыкантом-самоучкой. Вскоре их дружба переросла в нечто большее, чему впоследствии было присвоено имя - "Henry Cow". Эта легендарная британская андеграунд-группа в своей музыке соединила, кажется, все существовавшие на тот момент в музыке стили рока, блюза, джаза и фолка. "Henry Cow" просуществовала 10 лет, наиболее "прославившись" в СССР не самой музыкой, а околомузыкальным скандалом: якобы одно время из-за про-левых высказываний членов группы ее композиции не допускались к британскому радиоэфиру (группа к тому же активно использовала в своем имидже советскую символику). Самое интересное в этом факте то, что в Советском Союзе они почему-то считались антикоммунистами!
"Henry Cow" стала стартовой площадкой для Фреда Фрита-музыканта. Благодаря группе он был принят в узкий круг авангардистов Лондона, а главное, за время работы в группе у музыканта открылся талант незаурядного импровизатора.

 После разрыва с Тимом Ходжкинсоном Фрит бросает все и в 1979 году покидает Европу. Его путь был определен: Нью-Йорк.
Фред быстро влился в музыкальную жизнь мегаполиса. Он сразу же стал участником множества проектов. Благодаря активной концертной деятельности группы, Фред Фрит получил возможность познакомиться с музыкантами-единомышленниками, с которыми ему суждено было играть в своих последующих проектах. В начале 70-х он уже знаком с Джоном Зорном и Крисом Катлером, с которыми будет творить свою музыку на протяжении более чем 25- лет...

В начале 80-х судьба сводит его с легендарным басистом и продюсером Биллом Ласвеллом , который, по мнению самого Фрита, оказал на него колоссальное влияние и дал путевку в жизнь. Первым результатом их сотрудничества явилось трио "Massacre" (Фрит - Ласвелл - Мейер), ставшее одним из зачинателей того, что сейчас гордо именуется андеграунд-джазом.

Параллельно с работой в "Massacre" Фред Фрит - активный участник множества импровизационных проектов, таких как "Improvised Music New-York-81, 82, 83" на "Celluloid", с Дереком Бейли,Сонни Шерроком,Джоном Зорном и Ласвеллом.Данная композиция с альбома Improvised Music New York 1981

эпохальная работа с Биллом Ласвеллом в "Baselines"

 и серия релизов под кодовым названием "Material" (1981, 82, 91, 94 годы).

За годы жизни в "городе желтого дьявола" Фрит выступил с огромным числом известных музыкантов, одно знакомство с которыми способно радикально повлиять на мировоззрение и ощущение мира музыки: Фаро Сандерс, Икуэ Мори , Том Кора, Брайан Ино. Фрит многому у них научился. Уже в 1982 году вместе с Томом Кора и Зиной Паркинс он организует легендарное трио "Skeleton Crew", просуществовавшее до 1986 года.

Небольшая передышка, домашнее затворничество, сменяемое гастрольными сборными турами, и... В 1989 году в музыкальной сфере выстреливают два сумасшедших авангардных проекта, в очередной раз покушающихся на "устои": рекордсмен продуктивности и скорости записи альбомов (семь дисков за 5 лет) проект "Naked City", имена участников которого на афишах становились причинами обмороков. Еще бы! Джон Зорн, Фред Фрит, Билл Фризелл, Уэйн Хорвиц, Джои Бэрон, Ямацука Ай. Второй удар по умам - группа "Keep The Dog" (Фред Фрит, Рене Лусье, Зина Паркинс, Кевин Нортон, Боб Остертаг, Жан Дером), настолько активно пропагандировавшая авангард с концертных площадок всего мира, что даже какими-то судьбами умудрилась дать концерт в Советском Союзе.

Джон Зорн - новоджазовый композитор и один из основателей культового лейбла "Tzadik", приглашает Фреда Фрита и Даймонда Гейласаса поучаствовать в проекте "The Big Coundown", который и приносит музыкантам мировую известность. Именно за этот проект Фрит был удостоен "Knitting Factory Prize" как лучший джазовый гитарист года.

 Но на этом сотворчество с Зорном не ограничилось. Как мы уже знаем, Фрит около десяти лет играл на бас-гитаре в проекте Зорна "Naked City". Что касается сольных проектов Фрита, то их куда меньше, ибо он всегда подходит к написанию музыки очень серьезно. И если всевозможные коллаборации Фрита с другими музыкантами вряд ли можно подсчитать, то из его сольников можно составить полную и достаточно весомую дискографию, насчитывающую более 15 релизов. В 1981 году вышел сольный альбом Фрита "Spechless", заставивший заговорить о нем как о серьезном и самобытном джазовом композиторе.

 Затем увидел свет самый романтичный из его альбомов "The Technology Of Tears", показавший авангард в совершенно иной ипостаси. Этот проект навеян загадочностью модерн-арт-импрессионистской литературы, в особенности прозой Эдуардо Галеано и картинами французской художницы Беатрис Д'Элизе.

С конца 80-х Фрит начинает все больше и больше уделять внимания музыке для театров и кино. Он всегда был неравнодушен к искусству, и это новое увлечение засасывает его все сильнее. Наиболее ярко это проявилось в альбоме "Allies" (1996), который был написан как музыкальное сопровождение к одноименному балетному перфомансу, поставленному известными балетмейстерами Миллером и Уолднером для бруклинской Академии музыки.

За "Allies" Фрит получил приз от "N.Y. Center Of Modern Art" как лучший композитор для театра и балета. Это был первый релиз, в котором музыкант стал использовать в широком объеме электронные инструменты. Все барабанные партии были программированы, и композиции были насыщены необычными сэмплерными звуками. Эксперименты Фрита с электроникой вылились в отдельный проект "Death Ambient".

 Что касается музыки к фильмам, то самым известным из саундтреков является его сопровождение к наполовину документальному кино "Step Across The Border", в основу которого были положены фрагменты из творческой жизни самого Фрита и окружающих его музыкантов.
Говоря о Фрите, нельзя не упомянуть о музыке, написанной им для других исполнителей и коллективов. Как композитор он неоднократно работал с "ROVA Sax Quartet", "Ensemble Moderne" и др. В 1990 году он основал проект под довольно "нескромным" названием - "Fred Frith Guitar Quartet" - для столь же "нескромных" целей: исполнять авторские произведения. Задуманная как компания для гастролей и туров, группа записала в конце 1998 года свой уже третий диск "Upbeat".

И в завершение хотелось бы сказать пару слов о Фрите как талантливом импровизаторе, игравшем со множеством музыкантов различных стилистических направлений: саксофонистом Лолом Коксхиллом, барабанщиком Крисом Катлером, гитаристами Рене Лусье и Генри Кайзером и многими другими.

Апогеем его карьеры импровизатора стал альбом "Funny Valentine" - результат двухдневной "закупорки" в студии вместе с "гуру" Биллом Ласвеллом и барабанщиком Чарльзом Хейуордом в середине 1998 года.

И последнее. Сегодня Фрит, в очередной раз сменивший прописку, проживает в Германии, так как женат на известной немецкой фотохудожнице Хайке Лисс. Несмотря на большое количество музыки представленной здесь,это лишь малая часть из творчества музыканта и композитора Фреда Фрита...

  Eric Dolphy (20.06.1928 - 29.06.1964)

Чарльз Мингус :
" Долфи освоил джаз. И он освоил все инструменты и знал о них больше, чем это было возможно. "

  Американский джазовый альт-саксофонист, флейтист и бас-кларнетист. От случая к случаю он также играл на кларнете, пикколо и баритон-саксофоне. Долфи был одним из нескольких мульти-инструменталистов, получивших известность в 1960-е годы. Он также был первым знаменитым солистом на бас-кларнете в джазе и одним из первых значительных солистов на флейте. Для импровизационного стиля Эрика Долфи характерно использование широких интервалов, в дополнение к имитации звуков человека и животных, эффекты, которые буквально делали его инструмент говорящим. Хотя стиль Долфи иногда классифицируют как фри-джаз, его композиции и соло часто основываются на обычной (или сильно измененной) тональной гармонии бибопа и мелодических соло, указывающие на влияние современных классических композиторов Белы Бартока и Игоря Стравинского.

 Биография:

  Эрик Аллан Долфи-младший родился 20 июня 1928 года в Лос-Анджелесе, штат Калифорния, США. Его отцом был Эрик Аллан Долфи-старший, а мать - эмигрантка и из Панамы Сэди Долфи. Долфи-младший начал обучение на кларнете в возрасте шести лет, и менее чем через месяц уже играл в школьном оркестре. Он также изучал гобой в младших классах средней школы, хотя он никогда не записывался позже с этим инструментом. Услышав, как играют великие джазмены Фэтс Уоллер, Дюк Эллингтон и Коулмен Хокинс, Эрик полюбил джаз и он стал учиться игре на саксофоне и флейте. Отец построил студию для сына в их дворе, куда к Эрику часто приходили друзья на джем-сешн, записывались с Клиффордом Брауном в этой студии. 
  Эрик Долфи выступал в течение нескольких лет в составе играющих бибоп биг-бэндов во главе с Джеральдом Уилсоном и Роем Портером. Он получил образование в City College Лос-Анджелеса, а также руководил там оркестром. На ранних записях Долфи иногда играл на баритон-саксофон, а также на альт-саксофоне, флейте и кларнете-сопрано. Большой прорыв Долфи, наконец, совершил в составе квинтета Чико Гамильтона. В группе он стал известен более широкой аудитории и смог совершить гастрольный тур в 1959-м, когда он расстался с Гамильтоном и переехал в Нью-Йорк. Долфи снялся с квинтетом Гамильтона в фильме Jazz on a Summer's Day (Джаз в летний день), играя на флейте. 

 Чарльз Мингус знал Эрика Долфи, поскольку тоже вырос в Лос-Анджелесе, и Долфи присоединился к его группе вскоре после прибытия в Нью-Йорк. Он принял участие в записи альбома биг-бэнда Мингуса "Pre-Bird", и представлен на "Bemoanable Lady". Позже он присоединился к рабочей группе Чарльза, которая также включала Дэнни Ричмонда и Теда Кёрсона. Они работали на Showplace в 1960 году и записали классические альбомы "Charles Mingus Presents Charles Mingus" и "Mingus at Antibes".

Чарльз Мингус :
" Долфи был полноценный музыкант, он мог поместиться в любом месте. Он был прекрасным альт-лидером в биг-бэнде. Эрик мог бы сделать это и в классической группе. И, конечно же, он был совершенно своим человеком, когда он солировал... "
  За это время Эрик Долфи также записал сессии с большим ансамблем на лэйбле Candid и принял участие в сессии Newport Rebels. Он оставил группу Мингуса в 1961 году, хотя и продолжал с ним записываться на протяжении всей своей карьеры. Долфи отправился в Европу на несколько месяцев, где записывался в Скандинавии и Берлине. Он принимал участие в весенней сессии группы для альбома "Mingus Mingus Mingus Mingus Mingus" в 1963 году и представлен на "Hora Decubitus". В начале 1964 года Эрик присоединился к рабочей группе Мингуса снова вместе с Яки Байярдом, Джонни Коулзом и Клиффордом Джорданом. Этот секстет по праву считается одной из лучших групп за все времена, они работали на Five Spot , выступали в Корнеллском университете и Town Hall в Нью-Йорке и совершили тур по Европе. Многие записи были сделаны во время тура.

Эрик Долфи и Джон Колтрейн знали друг друга прежде, чем они стали играть вместе, собравшись, когда Колтрейн был в Лос-Анджелесе с Майлзом Дэвисом. Они будут часто обмениваться идеями и учиться друг у друга, и в конце концов, после многих ночей сидения с группой Колтрейна, Долфи было предложено стать полноправным членом. Колтрейна критиковали в квинтете Майлза Дэвиса, когда он начал отходить от присущего хард-бопа. Несмотря на это, квинтеты Колтрейна с Долфи (в том числе сессии Village Vanguard и Africa/Brass) теперь считается легендарным, хотя первоначально журнал Down Beat называл бренд Колтрейна и музыку Долфи "анти-джазом".

 

Колтрейн позже сказал на эту критику:
" Они сделали вид, что мы даже ничего не понимаем в музыке (...) и мне больно видеть как Долфи страдал от этого. "
  Букер Литтл был трубачом, который трагически погиб в возрасте 23 лет от уремии, но у него и Долфи было очень плодотворное, хотя и непродолжительное музыкальное партнерство. Альбом Букера "Out Front" вышел на Candid с участием Долфи, который в основном играл на альт-саксофоне, хотя и исполнял соло на бас-кларнете и флейте. После этого Эрик закончил запись "Free Jazz" с Орнеттом Коулманом и вновь вернулся к Литтлу. "Far Cry" был записан для Prestige с Буккером, включая "Mrs. Parker Of K.C." и "Ode To Charlie Parker" Яки Байярда, а также "Far Cry" и "Miss Ann" Долфи. Эрик Долфи и Букер Литтл также были одними из руководителей квинтета на Five Spot в 1961 г. создав некоторые из самых знаменитых записей джаза. Ритм-секция состояла из Ричарда Дэвиса, Мэла Уолдрона и Эда Блэкуэлла.

Однажды ночью он был задокументирован и выпущен на трёхтомнике "At the Five Spot", а также на сборнике "Here and There". Долфи и Литтл звучат на альбоме "Straight Ahead" Эбби Линкольн, и играли на "Percussion Bitter Sweet" Макса Роуча, а также в секции горнистов в сессии "Africa/Brass" Джона Колтрейна.
  В этот период Долфи также играл в ряде сложных комбо, в частности, в основных записях Орнетта Коулмана (Free Jazz: A Collective Improvisation), аранжировщика Оливера Нельсона ("Screamin' the Blues", The Blues and the Abstract Truth и Straight Ahead) и Джорджа Рассела(Ezz-thetics). Он также работал с Гюнтером Шулером, Максом Роучем, Эбби Линкольн, Мэлом Уолдроном, мульти-инструменталистом Кеном Макинтайром, басистом Роном Картером и другими.
  Делать записи в качестве лидера Эрик Долфи начал на лэйбле Prestige. Его связь с этой студий записи вылилась в 13 альбомов, записанных в период с апреля 1960 по сентябрь 1961 года, хотя Эрик не был лидером всех сессий.
  Первыми двумя альбомами в качестве лидера были Outward Bound и Out There, при участии Ричарда "Пророка" Дженнингса. Первый альбом в стиле, близком к хардбопу, был записан в студии Руди Ван Гелдера в Нью-Джерси с новым трубачом Фредди Хаббардом. В альбоме есть три композиции Долфи: "GW", посвященная Gerwald Wilson, блюз " Les " и "245".

Альбом Out There, на котором Рон Картер играл на виолончели, ближе к "третьему течению" музыки, являющемуся частью наследия Долфи. Композиция Чарльза Мингуса "Затмение" из этого альбома является одним из редких случаев, когда Долфи исполнял соло на кларнете-сопрано.
  

Far Cry был записан для Prestige в 1960 году и представил первую работу в сотрудничестве с трубачом Букером Литлом, единомышленником по духу, с которым он сделает множество легендарных концертных записей на Five Spot в Нью-Йорке. В альбом вошли его композиции "Far Cry" и "Miss Ann».
  

Эрик Долфи записал несколько треков без аккомпанемента на саксофоне, что в то время делали только Коулмен Хокинс и Сонни Роллинс. В альбом Far Cry вошло знаменитое произведение Гросс-Лоуренса, стандарт "Tenderly", исполненный на альт-саксофоне. Последующее турне по Европе быстро установило высокие стандарты для сольного исполнения на бас-кларнете волнующей песни "God Bless The Child" Билли Холидей(«Бог благословит ребенка», ранняя версия этой мелодии была записана на Five Spot во время его проживания с Booker Little). Многочисленные концертные записи были сделаны на выступлениях Долфи в этом туре, в частности, в Копенгагене, Упсале и других городах. Эрик также записал короткое соло "Love Me" на "Conversations".
  Классическая музыка 20-го века также сыграла важную роль в музыкальной карьере Долфи. Он исполнял Density 21.5 Эдгара Вареза для флейты соло на фестивале Ojai Music Festival в 1962-м и принял участие в Третьем течении (Third Stream) Гюнтера Шуллера в 1960-х годах. Примерно в 1962-63 в одну из рабочих групп Долфи входил молодой пианист Херби Хэнкок, которого можно услышать на "The Illinois Concert" и "Gaslight 1962".

В июле 1963-го Эрик Долфи и продюсер Алан Дуглас организовали сессии записей, на которых sidemen для Долфи были одни из ведущих развивающихся музыкантов того времени, в результаты вышли альбомы Iron Man и Conversations. На этих сессиях Долфи играл с Бобби Хатчерсоном, которого знал по Лос-Анджелесу. На этих сессиях записаны самый известные три дуэта Долфи с Ричардом Дэвисом - "Alone Together", "Ode To Charlie Parker" и "Come Sunday". Они также включают исполнение классических композиций «Jitterbug Waltz» Фэтса Уоллера, "Music Matador" Сонни Симмонса, и самого Долфи "Iron Man" и "Mandrake" (или "The Madrig Speaks, The Panther Walks") и "Burning Spear" (или "Half-Note Triplets").
 

 В 1964 году Эрик Долфи подписал контракт с Blue Records и записал Out to Lunch! с Фредди Хаббардом, Бобби Хатчерсоном, Ричардом Дэвисом и Тони Уильямсом. В этом альбоме Долфи показал полностью разработанный авангардный, но очень структурированный композиционный стиль, уходящий корнями в традиционный джаз. Это была его последняя крупная работа для звукозаписывающей студии.

После Out to Lunch! и записи в качестве аккомпаниатора в классической Point of Departure Эндрю Хилла, Долфи оставил тур по Европе с секстетом Чарльза Мингуса в начале 1964 года. Перед концертом в Осло он сообщил Мингусу, что он планирует остаться в Европе после окончания тура. По этому поводу Мингус назвал один из блюзов, который исполняли в туре, "So Long Eric". Долфи намеревался обосноваться в Европе со своей невестой, которая работала в балете в Париже. После ухода от Мингуса Эрик исполнил и записал несколько альбомов с различными европейскими группами, а также с американскими музыкантами, живущими в Париже, например, с Дональдом Бердом и Натаном Дэвисом. Знаменитый Last Date с Мишей Менгельбергом и Хан Беннинком был записан в Hilversum, Голландия, хотя это был на самом деле не последний концерт Долфи.

 Эрик также готовится к вступлению к Альберту Эйлеру для записи, и говорил о своем желании играть с Сесилом Тейлором. Он также планировал сформировать группу с Вуди Шоу и Билли Хиггинсом, и писал музыку для струнного квартета под названием "Love Suite".
  Эрик Долфи умер скоропостижно в Берлине 28 июня 1964 года в возрасте 36 лет, через неделю после дня рождения. Некоторые подробности о его смерти по-прежнему оспаривается, но считается, что он умер от комы, вызванной не выявленным диабетом. В буклете бокс-сета полной коллекции записей для Prestige говорится, что Долфи "рухнул в своем гостиничном номере в Берлине, а когда его привезли в больницу, у него был диагностирована диабетическая кома. После того, как ему ввели инсулин (видимо, более сильного типа, чем распространённый тогда в США), он впал в инсулиновый шок(гипогликемическая кома) и умер".Если это так,то это было убийство в следствии врачебной ошибки… Некоторые документалисты оспаривает это, говоря, что Долфи рухнул на сцену в Берлине и был доставлен в больницу. Лечащие врачи больницы не знали, что у Долфи был диабет, и решил по стереотипному представлению о джазовых музыкантах, что у него передозировка наркотиков. Он оставался в больнице без лекарств, пока не умер.
  Долфи был посмертно введен в Зал славы журнала Down Beat в 1964 году.

 Тед Кёрсон вспоминает :
" Это действительно сломало меня. Когда Эрик заболел [в Берлине], и был черным и джазовым музыкантом, они [врачи] думали, что он наркоман. Эрик не употреблял наркотики. Он был диабетиком и всё, что они должны были сделать - это взять анализ крови, и они бы ни за что не дали ему лекарства для детоксикации, отчего он и умер. И никто никогда не пошел бы в этот клуб в Берлине снова. Это было бы концом этого клуба. "

 Чарльз Мингус сказал :
" Обычно, когда человек умирает, вы помните, или вы говорите, что помните только хорошее о нем. С Эриком, это все, что мог вспомнить. Я не помню никаких наркотиков. Этот человек не имел абсолютно такой необходимости. "

 Колтрейн воздал должное Долфи в интервью :
" Все, что я бы сказал, было бы преуменьшением. Могу только сказать, моя жизнь стала намного лучше, оттого что я знал его, он был одним из величайших людей, которых я когда-либо знал, как человек, друг и музыкант".

         

Отомо Йошихиде (Otomo Yoshihide) - композитор, гитарист, ди-джей и один из величайших лидеров современного музыкального авангарда.

Отомо – настоящий первопроходец на сцене электроакустической импровизации. Он работал над созданием ряда знаковых записей

Гитарист-импровизатор и композитор Отомо Йошихиде родился 1 августа 1959 в Йокогаме, Япония; сын инженера. Будучи ребенком, он сконструировал свой собственный радиоэлектронный генератор, а в подростковые годы начал создавать звуковые коллажи, используя open-reel tape recorders. Это был его первый опыт создания музыки. Вскоре после поступления в среднюю школу он создал группу, которая играла рок и джаз. Это продолжалось до тех пор, пока он не увлекся фри-джазом, слушая Орнета Коулмана (Ornette Coleman), Эрика Долфи (Erick Dolphy), Дерека Бэйли (Derek Bailey) и многих японских фри-джазовых музыкантов. Большое влияние на него оказали саксофонист Каору Эйбе (Kaoru Abe) и гитарист Масаюки Такаянаджи (Masayuki Takayanagi). У последнего Отомо брал уроки.

В 1979 Отомо перебрался в Токио и поступил в университет. Продолжая играть джаз и панк-рок, он принял участие в этномузыкологическом семинаре профессора Акиры Эбато (Akira Ebato) и был очарован этнической музыкой, после чего увлекся исследованием истории этномузыки, в особенности японской популярной музыкой второй мировой войны и историей развития китайских музыкальных инструментов времен Культурной Революции. В 1981-м Отомо начал играть на гитаре в импровизационной манере в первом японском хаус-клубе, 'Jazu Kissa' в Токио (Tokyo), с использованием таких устройств, как драм-машина 'Roland' или простой кассетник. Его принято считать отцом-основателем и пионером хаус-музыки в Азии.

 В 1981 он путешествовал в Хайнань (Китай) с группой во главе с Эбато, чтобы исследовать музыкальную культуру этого региона. После возвращения в Токио Йошихиде начал регулярно выступать с импровизационными сетами в местном клубе Goodman, а в 1987 он появился в дуэте с саксофонистом Юнджи Хиросе (Junji Hirose) и параллельно играл в проектах No Problem и ORT.

Начиная с 1990 года Отомо интенсивно сотрудничал с другими музыкантами, играющими в широком диапазоне стилей. Он присоединился к группе басиста Хидеки Като (Hideki Kato) Player Piano, организовал тур по Японии с Юнджи Хиросе и барабанщиком Дэвидом Моссом (David Moss), а также организовал собственный нойз-рок-проект Ground Zero, 

На протяжении большей части 1990-х его главным проектом оставалась группа 'Ground Zero', созданная в 1990-м. Ее состав менялся неоднократно. Ребята играли музыку в различных стилях, которые, однако, можно охарактеризовать как нойз-рок с экспериментальными эйджами и тяжелым акцентом на разные сэмплы, своего рода музыкальные коллажи. Например, для записи альбома 'Consume Red' (всего с одним одноименным треком) был использован сэмпл корейского музыканта Кима Сеок Чула (Kim Seok Chul), игравшего на двуязычковом инструменте ходжоке (близок по звучанию к гобою).

Этот сэмпл пронизывает всю запись, длящуюся около часа, пока музыканты на его фоне, импровизируя и постепенно наращивая громкость, окончательно не заглушают его.

Группа 'Ground Zero' перестала существовать в 1998-м.

Перед ее распадом Йошихиде сколотил два электронных импровизационных коллектива: 'Filament' вместе с Сашико М (Sachiko M) и 'I. S. O.' с Сашико М и Йошимицу Ичираку (Yoshimitsu Ichiraku). Эти группы отказались от неистовой постмодернистской мешанины в духе 'Ground Zero' и использования сэмплов, применяя синусоидальные волны в музыке и электронные щелчки и шумы.

В конце 1990-х Отомо основал новый ансамбль, 'Ōtomo Yoshihide's New Jazz Ensemble', отдающий предпочтение более традиционному джазу, однако не обошлось без синусоид от Сатико М и шумовых пассажей. Группа выпустила 'Flutter and Dreams' на лейбле 'Tzadik'. В Японии она обзавелась постоянным составом, именуя себя 'Ōtomo Yoshihide's New Jazz Quintet', и выпустила альбомы 'ONJQ LIVE', 'ONJQ+OE' и 'Tails Out' в 2002-2003 гг.

В 2005 оду под названием  otomo yoshihide's new jazz orchestra выпустил альбом out to lunch с музыкой с одноименного альбома Эрика Долфи

Йошихиде также презентовал дуэт-альбомы: 'Moving Parts' вместе с тернтаблистом Кристианом Марклеем (Christian Marclay) в 2000-м и 'Turntables + Computers' с другим японским электронщиком, Нобукацу Такемурой (Nobukazu Takemura) в 2003-м.

Для ознакомления с  Nobukazu Takemura 

Помимо прочего, Отомо играет в квартете 'FEN (Far East Network)' с тремя другими музыкантами из разных частей Азии. Вместе с ним в квартет входят Юн Чи Вай (Yuen Chee Wai) из Сингапура (Singapore), Рю Ханкил (Ryu Hankil) из Южной Кореи (South Korea) и Ян Цзюнь (Yan Jun) из Китая (China). 'FEN' дебютировал на фестивале в Марселе (Marseille) в 2008-м, после чего регулярно выступал во многих странах.

Кроме того, Отомо демонстрировал исключительный талант композитора, делая саундтреки для видео, кино и телевидения. Он также служил музыкальным директором театральной группы Rinkogun с 1992 по 1995, написав музыку для таких работ, как Bird Man, Inu no Seikatsu, Hamlet Symbol и Picnic Conductor. А также время от времени высказывал свои мысли относительно развития музыки, охватывая широкий спектр вопросов - от проблем дистрибуции в музыкальной индустрии до социокультурных моментов, таких тем как sampling и свободная импровизация - в своих статьях и эссе для различных журналов и книг в Японии.

Таков краткий обзор исключительно талантливого композитора и экспериментатора  Отомо Йошихиде. Приятных открытий!

Памяти Полин Оливерос 

 30 мая 1932, Хьюстон — 25 ноября 2016, Нью-Йорк

        

"Through Pauline Oliveros and Deep Listening I now know what harmony is. It's about the pleasure of making music." John Cage

Теплые внимательные глаза Полин Оливерос (Pauline Oliveros), кажется, видели все в мире: в них навсегда поселилось понимание и мудрое всепрощение. Полин употребила свое академическое композиторское образование на то, чтобы последовательно и методично развивать имровизационное направление в современной музыке, и заслуженно считается классиком XX века.

В 1957 году Полин вместе с Терри Райли (Terry Riley) образовали первую группу коллективной импровизации, корни которой лежали в традиции музыкальных медитаций. До этого импровизации всегда считались прерогативой джаза, и в этом качестве привлекали музыкантов преимущественно возможностью продемонстрировать свою блестящую исполнительскую технику.

Училась на музыкальном факультете Хьюстонского и Калифорнийского университетов. С начала 1960-х гг. активная участница экспериментов по расширению возможностей электронной музыки, проходивших в Сан-Францисском центре музыкальных записей (San Francisco Tape Music Center). В1962г. Оливерос стала лауреатом международного конкурса молодых композиторов Gaudeamus (Нидерланды).

Она развивала собственное направление, которое отчасти перекликалось с экспериментами минималистов (Райли, Райха, Гласса) и получило собственное название - «Deep Listening» («Углубленное слушание»). Вся ее работа отличается выраженным вниманием к включению в музыкальный процесс «элементов вслушивания» в исполнение наравне с непосредственным композиторским и исполнительским мастерством.

С конца 1980-х гг. наиболее заметная часть музыкальной активности Оливерос проходит в рамках основанного ею музыкального коллектива «Deep Listening Band», занимающегося музицированием и записью музыки в пространствах с усиленным резонансом (пещерах, гигантских цистернах и  т. п.).

Оливерос окончила музыкальный факультет Ребекки и Джона Мур (The Rebecca and John J. Moores School of Music)Хьюстонского университета и Калифорнийский университет в Сан-Франциско, где одним из её учителей был американский композитор Роберт Эриксон ( Robert Erickson). Полина Оливерос была членом марширующего оркестра Хьюстонского университета, и одним из членов-основателей местного филиала почётной женской студенческой оркестровой общины Tau Beta Sigma.

Оливерос— одна из первых членов Центра Музыкальных Записей Сан-Франциско, который в 60-х годах был важным источником электронной музыки на западном побережье США. Позже Центр был перенесён в колледж Миллз, а Оливерос стала его первым директором. Ныне — Центр Современной Музыки. В своих выступлениях и записях Оливерос много импровизирует с помощью Расширенной Инструментальной Системы (Expanded Instrument System)— разработанной ею электронной звукообрабатывающей системой.

В 1967 году Оливерос покинула Миллз, чтобы занять должность на факультете музыкального отделения в Калифорнийском университете в Сан-Диего. Там Оливерос познакомилась с теоретическим физиком и мастером карате Лестером Ингбером, с которым она сотрудничала в определении процессов, относящихся к вниманию, применительно к слушанию музыки. Также Оливерос занималась карате под руководством Ингбера и получила чёрный пояс. В 1973 году Оливерос руководила исследованиями в новом Центре Музыкального Экспериментирования при университете. Она занимала должность директора центра с 1976 по 1979г. В 1981 году, чтобы избежать сужения круга творческих интересов, она отказалась от постоянной должности в калифорнийском университете и переехала в северную часть Нью-Йорка, чтобы стать независимым композитором, артистом и консультантом.

Оливерос ввела в обиход термин Deep Listening (Глубокое Слушание) в 1991 году, и, по аналогии с этим термином, дала название своей группе— The Deep Listening Band и методике Глубокого Слушания (Deep Listening program), которой обучают в Институте Глубокого Слушания (Deep Listening Institute, Ltd.) (изначально— Фонд Полины Оливерос, основан в 1985г.).В программу курса Глубокого Слушания включены: ежегодные ретриты в Европе и США— в штате Нью-Мексико и в пригороде на севере Нью-Йорка, образовательные и сертификационные программы. Ретриты посвящены раскрытию творческих способностей через активное слушание звуков окружающей среды и медитативной музыки, написанной преподавателями института Глубокого Слушания.

The Deep Listening Band, участниками которой являются Оливерос, Дэвид Гэмпер и Стюарт Демпстер, специализируется на исполнении и записи музыки в пространствах с усиленным резонансом, таких как пещеры, соборы и подземные водохранилища или цистерны. Группа сотрудничала с Элен Фулман (Ellen Fullman)— изобретателем инструмента Длинные струны ( long string instrument), который представляет собой резонатор с перпендикулярно воткнутыми в него струнами, длина которых варьируется от 16 до 60 метров; а также с бесчисленным множеством других музыкантов, танцоров и исполнителей.

Музыковед Хайди фон Гунден описывает новую музыкальную теорию, развитую Оливерос в предисловии к её «Акустическим Медитациям» (Sonic Meditations) и других статьях, называя её «акустической осознанностью». Акустическая осознанность— это способность сознательно концентрировать внимание на музыкальных звуках и звуках окружающей среды, требующая постоянной готовности и склонности к непрерывному слушанию.

Эту теорию можно сравнить с концепцией визуальной осознанности английского художника и писателя Джона Бергера (. John Berger), описанной в его книге «Способы видения» (. Ways of Seeing). «Акустическая осознанность представляет собой синтез психологии сознания, физиологии боевых искусств и социологии феминистического движения». Акустическая осознанность описывает два способа обработки информации: фокусное внимание и всеобъемлющее внимание— им соответствуют графические изображения точки и круга, которые Оливерос в указанном порядке использует при создании своих произведений.

Позже изображение мандалы было преобразовано и расширено: мандала была поделена на четыре части, которые символизировали активное извлечение звука, воображение звука, слушание существующего звука и запоминание услышанного звука. Эта модель использовалась при создании «Акустических медитаций»

Применение этой теории на практике позволяет создавать «сложные акустические массы, имеющие сильный тональный центр»,— фокусное внимание создаёт тональность, а всеобъемлющее внимание создает звуковую массу, меняющийся тембр, атаку, длительность, мощь и иногда высоту тона. На практике эта теория так же порождает нетрадиционные для представлений продолжительность и место, когда для прослушивания необходимо много часов, или оно должно происходить при определённых условиях.

Эта теория пропагандирует идею легко извлекаемых звуков, таких как вокальные, и «говорит, что музыка должна быть доступна всем и везде».

В 1994 году Оливерос получила грант от Фонда Современного Искусства. Преподавала в Политехническом институте Ренсселера и колледже Миллз.

Замечательной особенностью музыки Полин всегда была ее способность быстро и не встречая никаких препятствий проникать прямиком в подкорку. Пропущенный через микшер, звук претерпевает невиданные метаморфозы, оставаясь все таким же кристально чистым, а потом вдруг начинает извиваться, меняться, множиться и растекаться в разные стороны тысячью ртутных стрел. В принципе, если оценивать ее с точки зрения составляющих, музыка Оливерос проста и незамысловата. Технология «углубленного слушания» предполагает, что слушатель проживает каждую звучащую ноту. А композиция течет, как река, как жизнь, - спокойно и неотвратимо приближаясь к тишине.
Композиции Оливерос исполняются во всем мире, и в 1985 году она была удостоена чести представить ретроспективу своих произведений в Центре Исполнительского Искусства им. Кеннеди в Вашингтоне.

Лейбл Important Records в 2012 году издал 12 CD Pauline Oliveros - Reverberations: Tape & Electronic Music 1961 - 1970 Номер по каталогу: IMPREC352   Издание приурочено к 80-летнему юбилею Полин Оливерос

Выступление на  CTM фестивале в 2016 году 

Девид Мосс

Ударник и вокалист Дэвид Мосс - импровизатор-новатор. В его творчестве и компонированная музыка, и звуковые коллажи, и жесткие джаз-рок гибриды, а в своих сольных выступлениях он комбинирует игру на перкуссии (сделанную из железа, пластика и дерева) с электроникой и провокационным экстремальным вокалом.
Дэвид Мосс родился 21 января 1949, в Нью-Йорке. В 1970 году окончил Trinity College, где изучал историю России. Обучался перкуссии сначала в Hartt College of Music вместе с Joe Porcaro, Al Lepak, Richard Lepore, затем в Wesleyan University у Танжора Ранганатана (Tanjore Ranganathan); композицию в Bennington College. В 1971-73 был ударником Ансамбля Билла Диксона (Bill Dixon Ensemble). Вокалу учился самостоятельно.

С 1973 дал более 1000 сольных концертов; принимал участие в 3000 выступлениях с группами, театрами и оркестрами по всему миру. Сотрудничал с Сергеем Курехиным
В начале 1980-х он играл на первом альбоме The Golden Palominos

В 1991 он получил грант Guggenhelm Fellow ship и DAAD Kunstler program на годичное пребывание и работу в Берлине, где и живет с тех пор. Мосс свободно говорит по сербски
С 1995 он выступал как приглашенный музыкант с Ensemble Modern в их проекте "Frank Zappa Project".

Дэвид Мосс руководил группой Direct Sound, служил музыкальным директором в Лейпцигской Опере, являлся соучредителем (вместе с Muziek theater Transparant) и художественным руководителем Института Живого Голоса (ILV).
В 2002 его театральная пьеса "Einstein for Aliens" была представлена в Антверпене, а затем в Берлине, Брюгге, Амстердаме, Генте, Франкфурте, Нью-Йорке. Он сочинил "Chortet" для струнного квартета Arditti.
В 2003 Мосс был солистом Берлинской Филармонии под руководством сэра Саймона Раттла (Simon Rattle); выступал с Uri Caine Ensemble в Центре Линкольна.

Исполнял сольную партию в опере Ольги Ньювирт "Lost Highway" на Steierischer Herbst Фестиваль. В начале 2003 Мосс написал и исполнил музыку для театрально-танцевального проекта "For Life" Театра Дармштадта, дебютировал в Карнеги Холле с American Composers Orchestra под управлением Стивена Слоана (Steven Sloane).

Его "Strange Stories Project" был представлен на Бернском кинофестивале; был членом жюри на Дармштадтском фестивале "Нового Театра", солистом в проекте Uri Caine "Goldberg Variations Project".

В 2005-2006 Дэвид Мосс появился в двух новых проектах: сначала в премьере мультимедийной оперы Сэма Оинджера (Sam Auinger) "The Man Made of  Rain" в Bruckner House в Линце, а затем в премьере "Pierrot  Lunai RE: REmix 05/06" в сотрудничестве с ансамблем Alter Ego.
В настоящий момент Мосс является художественным руководителем Institute for Living Voice, Антверпен; оперным певцом, музыкантом-импровизатором, композитором, перкуссионистом, организатором проектов. 

                                               

   

Anna Homler

         «У HOMLER слова подобны музыке, а музыка подобна словам» New York Times

«У ANNA HOMLER   есть аура женщины пришедшей из  мест, столь же экзотичных как язык ее заклинаний и которую невозможно забыть, как и ее мелодии» High Performance

«HOMLER - 'лингвистический алхимик'. Она поет на искусственном языке, который позволяет ей создать удивительно выразительные и экзотические кластеры фонетики... Результат - красивая комбинация 'не слов', из которых получаются удивительно знакомые и мощные музыкальные фрагменты.» File 13 "Pick of the Issue"

ANNA HOMLER- вокальная, визуальная исполнительница, художник из Лос-Анджелеса. Со своими программами гастролирует во всем мире. Ее произведения отличаются, как древней так и постмодернистской чувствительностью .  Хомлер поет на импровизированном мелодичном языке. Цель ее произведений - исследовать альтернативные средства общения и поэтику обычных вещей. Она создает перцепционные вмешательства при помощи языка как в музыке так  и в воображаемых инструментах.

Музыка HOMLER стала известной в 1980-х с ее кассетой Breadwoman (High Performance Audio), в сотрудничестве со Steve Moshier.

С 1982 она работает с такими американскими композиторами и музыкантами как Steve Moshier, David Moss, Ethan James, Steve Roden, and Steve Peters; и в Европе с the Voices of Kwahn, Steve Beresford, Peter Kowald, Frank Schulte, Richard Sanderson, Geert Waegeman, and Sylvia Hallett и др.

HOMLER выступила на многих известных площадках всюду в США и Европе, включая P.S. 122, the Kitchen, Dixon Place, The Poetry Projectat St. Mark’s Churchin NewYork; LosAngeles Contemporary Exhibitions (L.A.C.E.); Supra club в Праге; Klarinsky в Братиславе, Ketty Dó в Болонье, the Stadgarten and the Loft в Кельне; the Melkweg и Stedelijk Museum в Амстердаме. Она участвовал во многих международных фестивалях США и Европы.

Ее дебютный альбом, Dó Ya Sá di Dó (amf), был выпущен в 1992.

В 1994 она выступала в Sugarconnection: Alien cake (No Man’s Land)

 и в 1995 на Macaronic Sines (Lowlands),), в сотрудничестве с Geert Waegeman and Pavel Fajt.

В середине 1990-х она выпустила два альбома с the Voices of  Kwahn в Великобритании: Silver Bowl Transmission (North/South) и Peninsular Enclosure (Swarf  Finger).

Breadwoman

Breadwoman – персонаж перфоманса Homler, поставленный в 1982. Ее костюм включал лицо, закрытое буханкой хлеба.

В ходе представления артист носит маску из теста и крестьянскую одежду, и поет шаманские заклинания на вымышленном языке, одновременно завораживающем  и таинственном.

В 1989 Homler в составе Direct Sound project  вместе с вокалистами Shelley Hirsch, Carles Santosand Greetje Bijma поехала в Европу с перфомансом группы под руководством авангардного вокалиста  и перкуссиониста David Moss , они выступили на Taktlos Festival в Швейцарии и в других европейских городах.

Одной из ведущих работ HOMLER стал проект инсталляция PHARMACIA POETICA, который исследует символические и тональные качества слов и объектов. "Pharmacia Poetica... инсталляционный проект,который начался в 1987 представляет собой комнату аптекаря, где вместо таблеток находятся составляющие мечты. Девиз проекта 'Для каждой болезни, есть своя мелодия". Lisa Derrick пишет о шоу в Huffington Post, "Родившись в семье фармацевтов, Anna Homler следовала своим жизненным маршрутом, исследую нереальные формы искусства, чтобы излечить душу..."

Постановка была частью общенациональной выставки 40 Years of California Assemblage и была также показана в Gracie Mansion в Нью-Йорке; Центр Современного искусства в Санта-Фе и галереи Nonsequitur  Music в Альбукерке, Нью-Мексико; Галерея 400 в Чикаго Иллинойс; Melk fabriek в  Ден Бош, Голландия; и в галерее Oko в Амстердаме.

С 1994 до 1995 PHARMACIA POETICA был частью передвижной выставки Outside  the Frame: Performance and the Object, обзор инсталляционного искусства в Соединенных Штатах с 1950  до наших дней. Она была  также показана в Karbon в Цюрихе, Швейцария; как часть Фестиваля Санта-Моники в Калифорнии; и в Gerlesborgsskolan, Gerlesborg Швеция.

1997 запись ее живого выступления с Waegeman и Fajt была выпущена как Cornede Vache (Victo). House of Hands (ND) был выпущен в 2000,

и в 2005, Kelpland Serenades (pfMENTUM) с Steuart Liebig и Piewacket (PNT) со Stephanie Payne

В 2012 Anna Homler и Sylvia Hallett выпустили альбом The Many Moods of Bread and Shed, (Orchestra Pit Records)

У Анны Хомлер и Сильвии Халлетт так много общего, что их дуэт был определенной неизбежностью.  . Потрясающе странный и сюрреалистический вокал Anna Homler расширила свою палитру, развернув экстраординарный набор игрушек, устройств и разных штуковин, чтобы дополнить и изменить  свой голос.

В ее новом альбоме, выпущенном в 2014, Here&Here&Here (pfMENTUM), она выступает с Michael Vlatkovich quintet, в составе  Michael Vlatkovich - trombone, percussion
Jeff Kaiser - trumpet, flugelhorn
Anna Homler - vocal, percussion
Scott Walton - acoustic bass
Rich West - drums, percussion

Среди ее последних работ , участие ее инсталляции в документальном фильме M'BoYe' Ye  о Pharmacia Poetica ( в соавторстве с Geert Waegeman) режиссера Jane Cantillon.  Музыка Anna Homler и Bernard Sauser-Hall звучит в некоммерческом фильме Rika Ohara  о жизни Yoko Ono. Она приняла участие в документальном сериале Kate Crash, который ведет Michael Masucci на канале EZTV.