Девид Мосс

Ударник и вокалист Дэвид Мосс - импровизатор-новатор. В его творчестве и компонированная музыка, и звуковые коллажи, и жесткие джаз-рок гибриды, а в своих сольных выступлениях он комбинирует игру на перкуссии (сделанную из железа, пластика и дерева) с электроникой и провокационным экстремальным вокалом.
Дэвид Мосс родился 21 января 1949, в Нью-Йорке. В 1970 году окончил Trinity College, где изучал историю России. Обучался перкуссии сначала в Hartt College of Music вместе с Joe Porcaro, Al Lepak, Richard Lepore, затем в Wesleyan University у Танжора Ранганатана (Tanjore Ranganathan); композицию в Bennington College. В 1971-73 был ударником Ансамбля Билла Диксона (Bill Dixon Ensemble). Вокалу учился самостоятельно.

С 1973 дал более 1000 сольных концертов; принимал участие в 3000 выступлениях с группами, театрами и оркестрами по всему миру. Сотрудничал с Сергеем Курехиным
В начале 1980-х он играл на первом альбоме The Golden Palominos

В 1991 он получил грант Guggenhelm Fellow ship и DAAD Kunstler program на годичное пребывание и работу в Берлине, где и живет с тех пор. Мосс свободно говорит по сербски
С 1995 он выступал как приглашенный музыкант с Ensemble Modern в их проекте "Frank Zappa Project".

Дэвид Мосс руководил группой Direct Sound, служил музыкальным директором в Лейпцигской Опере, являлся соучредителем (вместе с Muziek theater Transparant) и художественным руководителем Института Живого Голоса (ILV).
В 2002 его театральная пьеса "Einstein for Aliens" была представлена в Антверпене, а затем в Берлине, Брюгге, Амстердаме, Генте, Франкфурте, Нью-Йорке. Он сочинил "Chortet" для струнного квартета Arditti.
В 2003 Мосс был солистом Берлинской Филармонии под руководством сэра Саймона Раттла (Simon Rattle); выступал с Uri Caine Ensemble в Центре Линкольна.

Исполнял сольную партию в опере Ольги Ньювирт "Lost Highway" на Steierischer Herbst Фестиваль. В начале 2003 Мосс написал и исполнил музыку для театрально-танцевального проекта "For Life" Театра Дармштадта, дебютировал в Карнеги Холле с American Composers Orchestra под управлением Стивена Слоана (Steven Sloane).

Его "Strange Stories Project" был представлен на Бернском кинофестивале; был членом жюри на Дармштадтском фестивале "Нового Театра", солистом в проекте Uri Caine "Goldberg Variations Project".

В 2005-2006 Дэвид Мосс появился в двух новых проектах: сначала в премьере мультимедийной оперы Сэма Оинджера (Sam Auinger) "The Man Made of  Rain" в Bruckner House в Линце, а затем в премьере "Pierrot  Lunai RE: REmix 05/06" в сотрудничестве с ансамблем Alter Ego.
В настоящий момент Мосс является художественным руководителем Institute for Living Voice, Антверпен; оперным певцом, музыкантом-импровизатором, композитором, перкуссионистом, организатором проектов. 

                                               

   

Anna Homler

         «У HOMLER слова подобны музыке, а музыка подобна словам» New York Times

«У ANNA HOMLER   есть аура женщины пришедшей из  мест, столь же экзотичных как язык ее заклинаний и которую невозможно забыть, как и ее мелодии» High Performance

«HOMLER - 'лингвистический алхимик'. Она поет на искусственном языке, который позволяет ей создать удивительно выразительные и экзотические кластеры фонетики... Результат - красивая комбинация 'не слов', из которых получаются удивительно знакомые и мощные музыкальные фрагменты.» File 13 "Pick of the Issue"

ANNA HOMLER- вокальная, визуальная исполнительница, художник из Лос-Анджелеса. Со своими программами гастролирует во всем мире. Ее произведения отличаются, как древней так и постмодернистской чувствительностью .  Хомлер поет на импровизированном мелодичном языке. Цель ее произведений - исследовать альтернативные средства общения и поэтику обычных вещей. Она создает перцепционные вмешательства при помощи языка как в музыке так  и в воображаемых инструментах.

Музыка HOMLER стала известной в 1980-х с ее кассетой Breadwoman (High Performance Audio), в сотрудничестве со Steve Moshier.

С 1982 она работает с такими американскими композиторами и музыкантами как Steve Moshier, David Moss, Ethan James, Steve Roden, and Steve Peters; и в Европе с the Voices of Kwahn, Steve Beresford, Peter Kowald, Frank Schulte, Richard Sanderson, Geert Waegeman, and Sylvia Hallett и др.

HOMLER выступила на многих известных площадках всюду в США и Европе, включая P.S. 122, the Kitchen, Dixon Place, The Poetry Projectat St. Mark’s Churchin NewYork; LosAngeles Contemporary Exhibitions (L.A.C.E.); Supra club в Праге; Klarinsky в Братиславе, Ketty Dó в Болонье, the Stadgarten and the Loft в Кельне; the Melkweg и Stedelijk Museum в Амстердаме. Она участвовал во многих международных фестивалях США и Европы.

Ее дебютный альбом, Dó Ya Sá di Dó (amf), был выпущен в 1992.

В 1994 она выступала в Sugarconnection: Alien cake (No Man’s Land)

 и в 1995 на Macaronic Sines (Lowlands),), в сотрудничестве с Geert Waegeman and Pavel Fajt.

В середине 1990-х она выпустила два альбома с the Voices of  Kwahn в Великобритании: Silver Bowl Transmission (North/South) и Peninsular Enclosure (Swarf  Finger).

Breadwoman

Breadwoman – персонаж перфоманса Homler, поставленный в 1982. Ее костюм включал лицо, закрытое буханкой хлеба.

В ходе представления артист носит маску из теста и крестьянскую одежду, и поет шаманские заклинания на вымышленном языке, одновременно завораживающем  и таинственном.

В 1989 Homler в составе Direct Sound project  вместе с вокалистами Shelley Hirsch, Carles Santosand Greetje Bijma поехала в Европу с перфомансом группы под руководством авангардного вокалиста  и перкуссиониста David Moss , они выступили на Taktlos Festival в Швейцарии и в других европейских городах.

Одной из ведущих работ HOMLER стал проект инсталляция PHARMACIA POETICA, который исследует символические и тональные качества слов и объектов. "Pharmacia Poetica... инсталляционный проект,который начался в 1987 представляет собой комнату аптекаря, где вместо таблеток находятся составляющие мечты. Девиз проекта 'Для каждой болезни, есть своя мелодия". Lisa Derrick пишет о шоу в Huffington Post, "Родившись в семье фармацевтов, Anna Homler следовала своим жизненным маршрутом, исследую нереальные формы искусства, чтобы излечить душу..."

Постановка была частью общенациональной выставки 40 Years of California Assemblage и была также показана в Gracie Mansion в Нью-Йорке; Центр Современного искусства в Санта-Фе и галереи Nonsequitur  Music в Альбукерке, Нью-Мексико; Галерея 400 в Чикаго Иллинойс; Melk fabriek в  Ден Бош, Голландия; и в галерее Oko в Амстердаме.

С 1994 до 1995 PHARMACIA POETICA был частью передвижной выставки Outside  the Frame: Performance and the Object, обзор инсталляционного искусства в Соединенных Штатах с 1950  до наших дней. Она была  также показана в Karbon в Цюрихе, Швейцария; как часть Фестиваля Санта-Моники в Калифорнии; и в Gerlesborgsskolan, Gerlesborg Швеция.

1997 запись ее живого выступления с Waegeman и Fajt была выпущена как Cornede Vache (Victo). House of Hands (ND) был выпущен в 2000,

и в 2005, Kelpland Serenades (pfMENTUM) с Steuart Liebig и Piewacket (PNT) со Stephanie Payne

В 2012 Anna Homler и Sylvia Hallett выпустили альбом The Many Moods of Bread and Shed, (Orchestra Pit Records)

У Анны Хомлер и Сильвии Халлетт так много общего, что их дуэт был определенной неизбежностью.  . Потрясающе странный и сюрреалистический вокал Anna Homler расширила свою палитру, развернув экстраординарный набор игрушек, устройств и разных штуковин, чтобы дополнить и изменить  свой голос.

В ее новом альбоме, выпущенном в 2014, Here&Here&Here (pfMENTUM), она выступает с Michael Vlatkovich quintet, в составе  Michael Vlatkovich - trombone, percussion
Jeff Kaiser - trumpet, flugelhorn
Anna Homler - vocal, percussion
Scott Walton - acoustic bass
Rich West - drums, percussion

Среди ее последних работ , участие ее инсталляции в документальном фильме M'BoYe' Ye  о Pharmacia Poetica ( в соавторстве с Geert Waegeman) режиссера Jane Cantillon.  Музыка Anna Homler и Bernard Sauser-Hall звучит в некоммерческом фильме Rika Ohara  о жизни Yoko Ono. Она приняла участие в документальном сериале Kate Crash, который ведет Michael Masucci на канале EZTV.

Александр фон Шлиппенбах родился 7 апреля 1938 года в Берлине  

С детства занимался игрой на фортепиано, сочинением музыки и джазом. В 13 лет играл буги-вуги и блюз, потом заинтересовался творчеством О. Питерсона, Т.Монка и Бада Пауела.

Полностью перешел на свободную  импровизацию  в 1960-х, работая в 1963 с квинтетом Gunter Hampel, и с 1964 по 1967 с квинтетом Manfred Schoof, примерно в это время он организовывает свой Globe  Unity Orchestra.

Исполнители:
Gunter Hampel - vibes, flute
Manfred Schoof - trumpet
Alex von Schlippenbach - piano
Buschi Niebergall - bass
Pierre Courbois - drums

Чистые, атональные линии Шлиппенбаха - намного больше перекликаются с T. Монком, чем с С. Тейлором, которого обычно считают одним из основателей  фри джаза.

К творчеству Монка он обращался три раза.    Первая попытка — «Schlippenbach Plays Monk» (enja, 2007) — это записи октябрьских концертов 1996 года в Германии, где Шлиппенбах играет в компании с Ино Нобуйоси (контрабас) и Санни Мюррэем (ударные); этот первый опыт был, пожалуй, наиболее приближен к традиции в сравнении с последующими. 

Вторая это  «Monk’s Casino» (Intakt, 2005), где на трёх компакт-дисках Александр фон Шлиппенбах с квартетом Die Enttäuschung (Аксель Дёрнер — труба, Руди Махалл — бас-кларнет, Ян Родер — контрабас и Ули Йеннессен — ударные) записали в берлинском клубе A-Trane полное  собрание сочинений Телониуса Монка — в общей сложности, шестьдесят девять композиций. 

Третья, и самая недавняя попытка — сольная студийная запись «Schlippenbach Plays Monk: Piano Solo» (Intakt, 2012), с сольными интерпретациями пьес Телониуса Монка,

К 1970-м Schlippenbach в некоторой степени отошел от полной абстракции и проявлял интерес не только к основным композиционным принципам, но и возобновил свои собственные контакты с ранним и современным джазом, блюзом и буги-вуги.

С 1970 он руководит своим собственным квартетом и играет в трио с Evan Parker , в 70-80-х в дуэте со шведским ударником  Sven-Ake Johansson и дает сольные фортепианные концерты.  

Globe Unity Orchestra был сформирован осенью 1966 года на деньги, полученные Александром фон Шлиппенбахом от Берлинского Фестиваля Джаза. Их дебют состоялся в Берлинской филармонии 3 ноября. Она состояла из музыкантов  квартета Gunter Hampel, квинтета Manfred Schoof  и трио Peter Brötzmann .

В течение следующих лет эта основная группа была укомплектована другими европейскими и американскими музыкантами:  Johannes Bauer (tb), Anthony Braxton (as, cl), Willem Breuker (ts), Rüdiger Carl (as, ts), Günter Christmann (tb), Gunter Hampel (bcl), Toshinori Kondo (tp), Steve Lacy (ss), Paul Lovens (drums), Paul Lytton (drums), Albert Mangelsdorff (tb), Evan Parker (ss, ts), Michel Pilz (bcl, cl, bars), Ernst-Ludwig Petrowsky (as, cl, fl), Enrico Rava (tp), Paul Rutherford (tb), Heinz Sauer (ss, ts), Bob Stewart (tuba), Tomasz Stańko (tp),и Kenny Wheeler (tp). Оркестр считается самым замечательным собранием джазовых талантов начиная с биг-бенда AACM.

Заключительный концерт в жизни группы был на Чикагском Фестивале Джаза в 1987.

В 2006 году была записан 40-й ежегодный концерт саксофонистами , трубами Kenny Wheeler, Manfred Schoof, Axel Dörner, Jean-Luc Cappozzo ,тромбонисты Paul Rutherford, George Lewis, Jeb Bishop, J. Bauer, , барабанщиками Paul Lovens ,Paul Lytton и. Alexander von Schlippenbach фортепиано С Globe Unity Orchestra и в составе других коллективов ездил на гастроли и фестивали в Европе и на Дальнем Востоке. В 1978 он выступил с сольным фортепианным концертом  в Бомбее на первом Jazz Yatra, а в1980 выступил там с Globe Unity Orchestra. С конца 80х периодически дает концерты со своей женой A. Takase.

На Шлиппенбаха оказало влияние творчество Шенберга,Ч. Парекра, Монка, С. Тейлора и многих других.

Шлиппенбах упрямо избегал тенденции делать регулярные сольные записи фортепианной музыки. Делать их вынуждали экономические трудности с содержанием Globe Unity Orchestra на протяжении его 20-летнего существования. Возможно эти финансовые трудности и создавали препятствия, но сольные концерты служили компромиссом для выхода из сложившихся экономических проблем. Возможно уменьшение состава Globe Unity Orchestra подвигло Шлипенбаха к дальнейшему выражению себя в написание композиций и создании новых биг-бендов.В одном из интервью в 80х он рассказывал, что создал Italian RIA биг-бенд, с которым записал композиции Джелли Ролл Мортона, и еще запишут  музыку Монка

Berlin Contemporary Jazz Orchestra -большой немецкий джазовый коллектив под руководством А. фон Шлипенбаха. Оркестр исполняет джаз и экспериментальную биг-бенд музыку,  в его состав входят такие известные музыканты, как Misha Mengelberg   и Kenny Wheeler.   Коллектив выступает редко, был основан в 1988 Шлиппенбахом на средства Carla Bley, Manfred Schoof, и Willem Breuker, и др. 

Последняя работа  Шлиппенбаха выпущенная на лейбле Trost Records (TR 136) LOK 03+1 Signals впущена в 2016 оду в составе Alexander von Schlippenbach - piano
Aki Takase - piano
Paul Lovens - drums
Dj Illvibe - turntables, faderboard

Концепция свободы в музыке Шлиппенбаха – это сочетание тональности с явным ритмичным уклоном, доступным и понятным как исполнителя

Генри Треджилл (Henry Threadgill) — «In for a Penny, In for a Pound».

72-летний саксофонист-новатор, флейтист и композитор Треджилл, расширивший горизонты джаза, получил награду за свою запись 2015 года с участием квинтета Zooid. Пулитцеровский комитет назвал ее «исключительно оригинальной работой, в которой положенная на ноты музыка смешивается с импровизацией, создавая звуковую ткань, которая кажется выразительной квинтэссенцией современной американской жизни».

 Пулитцеровская премия  по музыке в 2016 году

Генри Треджилл (родился 15 февраля 1944, в Чикаго, Иллинойс) -американский композитор, саксофонист и флейтист. Стал известным в 1970-х создавая группы с необычным инструменталом и частым слиянием не джазовых жанров. Он учился в американской Консерватории Музыки в Чикаго, изучая игру на фортепьяно и флейте, а также на композиторском отделении. Он изучил фортепьяно с Гэйл Куиллмен и композицию со Стеллой Робертс. Его музыкальная карьера как лидера групп и композитора длится уже больше сорока лет.

Музыку Треджилла исполняли его многочисленные группы , включая  Трио Air с Fred Hopkins  и Steve McCall, септет Sextet, Very Very Circus, Society Situation Dance Band(состоящий из 20 инструментов), X-75, Make a Move, Aggregation Orb, и существующая сейчас группы  Zooid и  ENSEMBLE DOUBLE UP
Он записал много альбомов, одобрительно встреченных критиками,  как лидер этих групп на различных студиях звукозаписи а именно, Arista/Novus, About Time, Axiom, Black Saint, Columbia and Pi Recordings.

Треджилл был награжден  многочисленными наградами и премиями  по всему миру. Он сочинил музыку для театра, оркестра, сольных инструментов и музыкальных групп. Его работы исполняются  многочисленными оркестрами, такими как "Run Silent, Run Deep, Run Loud, Run High" (под руководством Hale Smith) и "Mixfor Orchestra" (под руководством Dennis Russell Davies), а так же она исполнялись в Консерватории Бруклина в 1987 и 1993гг.

Треджилл, кроме того, что является  замечательным исполнителем на альт саксофоне, есть также один из самых образных джазовых композиторов на сегодня. "Он, кажется, сознательно бросает вызов аудитории:  «К моему лиризму и мастерству прилагается терновник и шипы, и я обещаю  выдернуть опоры из-под вас»” сказал Треджилл”- пишет Джон Литвейлер, музыкальный критик, в статье, которую он написал для ChicagoSun-Times. Треджилл был одним из членов-учредителей Ассоциации для Продвижения Творческих Музыкантов (AACM), Чикагской группы, которая исповедует свободные формы в философии и познании музыки. Питер Уотрус Нью-Йорк Таймс описал Треджилла как, "возможно, самого важного джазового композитора его поколения". Недавние концерты в Чикаго принудили местных критиков говорить о нем как революционной фигуре, изменившей способ развития джаза. Саид Говард Рейч, джазовый критик ChicagoTribune:"Было бы трудно переоценить роль Генри Треджилла в бесконечном изменении значения джаза.. … Он изменил наши основные предположения о том, какой джаз может и должен быть".С. Теркел в своей книги And They All Sang (2005) относит Треджилла к сорока величайших музыкантов нашего времени.

Он был в первом составе легендарного AACM (Ассоциация для Продвижения Творческих Музыкантов) в его родном городе Чикаго и работал под руководством М. Р.Абрамсом. С  1967 по 1969 служил в армии США, играя с Рок-группой во Вьетнаме в 1967 и 1968.

Вернувшись в Чикаго он воссоединился с басистом AACM Фредом Хопкинсом и барабанщиком Стивом Макколом, сформировав трио, которое в конечном счете станет  группой Air , одной из самых знаменитых по  мнению критиков, авангардной джаз группой 1970-х и 1980-х.

Тем временем Треджилл переехал в Нью-Йорк, чтобы начать исследовать его собственные музыкальные видение, изучая музыкальные жанры инновационными способами, благодаря его смело уникальному сотрудничеству с разными группами. Его первая группа, X-75, состояла из девяти музыкантов.

The Sextet

В начале 1980-х, Треджилл создал свою первую группу как лидер, Секстет Генри Треджилла (на самом деле она состояла  из семи участников; он посчитал двух барабанщиков как одну единицу), который выпустил три альбома на About Time Records, после паузы, во время которой, Треджилл сформировал New Air с Pheeroan akLaff, заменившим Стива Маккола на барабанах. Стив Маккол умер в 1989году.

The Sextett

Треджилл изменил Генри Треджилл  Секстет на The Sextett

  (с двумя t' в конце). Группа записала 6 альбомов, самый известный  из которых You Know the Number.

Неортодоксальный состав  группы включал двух барабанщиков, бас, виолончель, трубу и тромбон, в дополнение к альту и флейте Треджилла. Среди музыкантов были барабанщики акЛафф, Джон Беч, Реджи Николсон и Ньюман Бейкер; басист Фред Хопкинс; виолончелист Дидр Мюррей; трубачи Рэзул Сиддик и Тед Дэниэлс; корнетист Олу Дара; и тромбонисты Рэй Андерсон, Франк Лэки, Билл Лоу и Крэйг Харрис.

Very Very Circus and beyond

В течение 1990-х Треджилл раздвинул музыкальные границы еще больше с егоVery Very Circus and beyond. В дополнение к Треджиллу основной состав группы состоял из двух туб, двух электрогитар, тромбона или валторны и барабанов. С этой группой он исследовал более сложные и высоко структурированные формы музыки, увеличивая группу латинской перкусией,  валторной,  скрипкой, аккордеоном и множеством других  экзотических инструментов и вокалистов.

c

Генри Треджилл составил и записал с другими музыкантами необычные композиции, такие как квартет флейт (Flute Force Four, 1990); и концерт  четырех виолончелей и четырех акустических гитар (на Makin' a Move).

К этому времени Треджилл обеспечил себе место  в высшем эшалоне авангарда , и с ним заключили контракт Columbia Records для трех альбомов (редкость для музыкантов его стиля). Начиная с роспуска Very Very Circus and beyond Генри Треджилл  продолжает писать и исполнять музыку,направленную против предрассудков с такими группами как Make a Move и Zooid.

 Zooid  и Henry Threadgill Ensemble Double Up
  являются  основными группами  для воплощения идей Треджилла в течение 2000-х.

Последний альбом на сегодняшний день Henry Threadgill Ensemble Double Up Old Locks and Irregular Verbs ( Pi Recordings      pi64) выпущеннй в 2016году в составе:

Henry Threadgill - composition, conductor
Jason Moran - piano
David Virelles - piano
Roman Filiu - alto saxophone
Curtis Macdonald - alto saxophone
Christopher Hoffman - cello
Jose Davila - tuba
Craig Weinrib - drums

Вступление этой группы в 2014 году

Naked City — джаз-коровый коллектив, созданный Джоном Зорном в конце 1980-х годов. В состав коллектива вошли известнейшие музыканты нью-йоркской даунтаун-сцены. Музыка коллектива характеризуется чрезвычайной насыщенностью и эклектичностью; в ней прослеживается влияние практически всех сформировавшихся к тому времени музыкальных стилей. Коллектив исполнял как собственные произведения, так и обработки пьес джазовых и классических композиторов.

Одним из самых амбициозных и удачных проектов Зорна стал секстет Naked City, который в 1989 году дебютировал с одноименным альбомом. Зорну удавалось собирать вокруг себя исключительно талантливых людей. В рядах Naked City образца 89 года значились гитарист Билл Фриссел (Bill Frisell), авангардный бас-гитарист Фред Фрит (Fred Frith), клавишник Уэйн Хорвитц (Wayne Horvitz), барабанщик Джоуи Бэрон (Joey Baron), японский вокалист Яматсука Ай (Yamatsuka Eye) и сам Зорн на альт-саксофоне. Это были музыканты такого класса, что к своему первому европейскому турне они подготовились всего за пять дней. Первая же студийная попытка "Naked City" охватывала неожиданно широкую палитру стилей: от авангардного джаза и очень своеобразного кантри до сплошного звукового безумия и каверов киноклассики (включая и главную тему из киноприключений Джеймса Бонда). За "Naked City" последовали очень интересные и разноплановые работы: сборник кавер-версий классики Гран Гиньоля "Grand Guignol" (1991), мягкий эмбиентный диск "Absinthe" (1993), абсолютно деконструктивный альбом "Radio" (1993).

«Гран-Гиньоль» (фр. Grand Guignol) — парижский театр ужасов, один из родоначальников и первопроходцев жанра хоррор. Работал в квартале Пигаль (13 апреля 1897 — 5 января 1963). В некоторых языках (прежде всего во французском и английском) его имя стало нарицательным обозначением «вульгарно-аморального пиршества для глаз»

Один британский музыкальный журналист, увидев Nacked City во время их первого визита в Британию, пришел к выводу, что это «просто группа музыкантов, которым весело».Сложно не согласиться, но это слишком серьезная забава. Группа запатентовала стиль музыкального терроризма, со взрывами музыки, длящимися не более пары минут(таковы 41 трек из альбома Grand Guignol). Больше споров  вызвали порнографические и садомазохистские рисунки из этого альбома и фото с изображением отрезанных ног и препарированного человеческого черепа. Если добавить к этому названия треков «Запах горящей плоти критика» (Perfume of a Critic's Burning Flesh), это вызвало некую моральную панику вокруг группы.

Большую часть конфронтационной позиции группы можно воспринимать как ироническую тактику. Это – несомненная новизна для ушей и глаз, и неформальный лидер группы Джон Зорн достаточно умен, чтобы понять, что шок эффективный только, когда сочетается с чем-то еще. Чтобы сделать его, в качестве  прецедента он включает головоломную романтичную интерпретацию «Louange pour l’eternite de Jesus» из Olivier Messiaen’s Quantor pour la fin du temps.

Для фанатов Зорна самым понятным является Еретик(Heretic), который представлен как саундтрек к садомазохистскому фильму « Jeux des dames cruelles», и посвящен вымышленному режиссеру Harry Smith, Grand Guignol посвящен другому выдуманному режиссеру, его однофамильцу Jack Smith, который умер от СПИДа в 1989.

Названия альбомов  Torture Garden. Grand Guignol., оформление всех альбомов группы , их музыка -все  было пронизано паническим страхом насильственной смерти и пыток .В музыке этот эффект создавался в основном  художественным визгом  Яматсука Ай и экспрессивной игрой Зорна. Высочайший уровень музыкантов-участников ансамбля позволял им без труда играть в любом известном на тот момент стиле Музыка коллектива характеризуется чрезвычайной насыщенностью и эклектичностью; в ней прослеживается влияние практически всех сформировавшихся к тому времени музыкальных стилей. Коллектив исполнял как собственные произведения, так и обработки пьес джазовых и классических композиторов.

Стилистика группы менялась от альбома к альбому.

Группа существовала до 1993 г., когда Зорн счёл тему исчерпанной и прекратил сочинение музыки для ансамбля.

В 2003 г. произошло кратковременное воссоединение коллектива. 

Это была очень мощная и своеобразная джаз-рок-группа с панковским уклоном, которая пользовалась большим успехом в среде экстремальных панков.

Дискография

Torture Garden (1989)  

Naked City (1989 или 1990 ) — под именем Джона Зорна  

Grand Guignol (1992)  

Heretic (1992)  

Leng Tch’e (1992)  

Absinthe (1993)  

Radio (1993) 

Black Box (1996, включает альбомы Torture Garden и Leng Tch’e) 2xCD

Naked City Live, Vol. 1: Knitting Factory 1989 (2002)

Naked City: The Complete Studio Recordings (2005)  Майк Паттон

Дерек Бейли — идеолог не идиоматической импровизации, как импровизации на собственном спонтанном музыкальном языке вне штампов, цитат, регулярности любого вида: ритмической, мелодической .

Дерк Бейли родился 29-го января 1930-го года в Шеффилде, в Англии. Его предки были музыкантами, и Дерк также рано увлекся музыкой. Когда Бейли исполнилось десять лет, он уже неплохо играл на гитаре.

Бэйли изучал музыку в течение одиннадцати лет (1941-52) с Билтклиффом и гитару с Джоном Дуарте. С 1952 до 1965 он работал как сольный гитарист, аккомпаниатор или с оркестрами в любом виде музыкального контекста: клубы, концертные залы, театры, танцевальные залы, радио, ТВ и студии звукозаписи. Позже - Бейли выступал сотрудничая с такими персонами, как британка Грейс Филдс, Кэти Кирби

Однако с 1963 он все больше и больше становился заинтересованным возможностями свободно-импровизированной музыки, которой он с тех пор посвятил себя. Как он сказал, "Мне повезло, что  я работал с большинством ведущих немецких, американских ,голландских и английских артистов оригинального жанра".

В 1960-х он работал с Spontaneous Music Ensemble, но с тех пор постепенно уходил из групповой музыки, предпочитая играть соло на электрогитаре и только иногда выступая в дуэтах с людьми, которыми он чувствует сильную близость, включая Эвана Паркера,Энтони Брекстона, Тони Коу и серию ударников. 

С 1965 он выступает с сольными концертами во всех главных городах Европы, Японии и США. 

В 1970 он создал, совместно с Эваном Паркером и Тони Оксли, Incus Records, первую независимую, звукозаписывающую компанию находившуюся в собственности музыкантов в Великобритании. С 1974-6 он написал свою книгу «Импровизация: Ее Характер и Практика в Музыке», в 1976 создал  Company, ансамбль со сменным составом импровизирующих музыкантов из Европы, Северной Америки и Южной Америки, Африки и Японии. 

   

В 1977 он открыл Company Week, ежегодное  мероприятие в Лондоне, на которое приглашаются импровизаторы со всего мира и в течение пяти дней создают импровизационную музыку.

Он  стойко прошел путь полной импровизации и абстракции с монолитной целостностью, становясь одним из лучших в той области. Все же, несмотря на серьезность его подхода, его музыка часто полна драматизма, интеллекта, иронии и анархического юмора. Его альбом View from 6 Windows (1982) был номинирован на премию Грэмми .

 Книга Бэйли по импровизации исследует ее во всех своих проявлениях от европейской классической традиции до народной музыки всех видов — этническая, рок, джазовая и свободная импровизация. Бэйли работал два года (1989-91) с Джереми Марром, готовя серию телевизионных программ на основе его книги. Под названием «На Краю» (On The Edge), они были показаны Каналом 4 в Великобритании и в ряде других стран в 1993 и 1994 годах.

Дерек Бейли ушел из жизни в 2005-ом году, в Лондоне, в Рождество, от бокового амиотрофического склероза.

 В настоящее время его творчество по-прежнему в особенной цене. Музыка Бейли считается истинной классикой настоящей импровизации, а каждая нота, извлеченная из инструмента – шедевром.  

Если мир атомов считать микромиром который аналогичен нашему миру,то манера игры Бейли подобна структуре микромира и для ее понимания необходимо «посмотреть на нее  сквозь лупу».